tag:blogger.com,1999:blog-56205236619511806082024-03-14T10:09:19.034+01:00Historia del ArteProfehttp://www.blogger.com/profile/11218884507719042764noreply@blogger.comBlogger65125tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-66560304342056319862011-11-06T13:02:00.007+01:002011-11-06T13:24:43.402+01:00Templo de Atenea Niké.<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJA3-S_HlDH5ecEYp20LVYOqNtzTOtxbexs3Yfv43vd0-alYYyW5Ew2e5zUuHTzHB4kJeMWQ8UN4vvn0AVYqk2rMh7uyDQB1NGzvh1yEUg2h4xQ0lRhfMv6q_SzuF77ROFpmb_su_w1Qpu/s1600/templo+atenea.jpeg"><img style="float: right; margin: 0pt 0pt 10px 10px; cursor: pointer; width: 272px; height: 185px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJA3-S_HlDH5ecEYp20LVYOqNtzTOtxbexs3Yfv43vd0-alYYyW5Ew2e5zUuHTzHB4kJeMWQ8UN4vvn0AVYqk2rMh7uyDQB1NGzvh1yEUg2h4xQ0lRhfMv6q_SzuF77ROFpmb_su_w1Qpu/s320/templo+atenea.jpeg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5671857581312732146" border="0" /></a><br />El templo de Atenea Niké fue construido por el arquitecto Calícatres, quien diseñó el templo en orden jónico que tuvo que adaptarse al pequeño lugar que se le otorgó: un bastión de los propileos, que domina la subida al Acrópolis.<br />En su interior hubo xoanon, es decir, una imagen de la diosa Atenea personificada como Niké, símbolo de las victorias navales, a la que se le cortaron las alas para que nunca pudiese abandonar la ciudad. Pero el templo no estaba destinado a grandes reuniones, por eso tenía un altar al aire libre que permitía celebrar ceremonias.<br />En cuanto al alzado de templo tiene unos 8 m de altura, sobre la plataforma escalonada, se asientan los muros y las columnas jónicas de mármol compuestas de basa, fuste monolítico con acanaladuras de ángulos matados y capitel con volutas. El entablamiento consta de un arquitrabe de tres bandas, un friso corrido que tuvo una decoración mitológica que aluden a las Guerras Médicas y una cornisa, sobre ella los frontones dedicados a la Diosa Atenea.<br />En cuanto a la planta, de muy pequeñas dimensiones, en el que tanto el vestíbulo delantero(pronao) como el trasero(opistodomos) se convierten en pequeños pórticos. La cella es cuadrada. Es por tanto un templo bastante pequeño si lo comparamos con otros de mayor tamaño.<br />El friso, que representa a Atenea, Zeus y poseidón ayundando a los atenienses, es un intento de aumentar la moral a la ciudad. Asimismo, el parapeto del bastión sobre el que se alza el edificio fue decorado con relieves intentando expresar la victoria que nunca llegó.Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-25871798222200703882011-11-06T12:34:00.002+01:002011-11-06T13:00:42.603+01:00Templo de Abu-Simbel de Ramses II.<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0O7zg2gIF534yAJsxDmYWQqFqEfbc7wmYU1YAylxPzQ8fnR8DemHaPvGfa66EPoW0xQCL-8kNHIVip2mAk3FtL5TdqPI4jf7rL0OYS-I31PGmgrMIB-2D5AUhYHeAtQucAg-rpQsoxzTJ/s1600/speo.jpeg"><img style="display: block; margin: 0px auto 10px; text-align: center; cursor: pointer; width: 160px; height: 202px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0O7zg2gIF534yAJsxDmYWQqFqEfbc7wmYU1YAylxPzQ8fnR8DemHaPvGfa66EPoW0xQCL-8kNHIVip2mAk3FtL5TdqPI4jf7rL0OYS-I31PGmgrMIB-2D5AUhYHeAtQucAg-rpQsoxzTJ/s320/speo.jpeg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5671846035116711490" border="0" /></a><span style="font-weight: bold;">El templo de Abu-Simbel, está situado al sur de Egipto, a 300 KM de la ciudad de Asuán.</span><br /><span style="font-weight: bold;">El templo es una construcción de tipos speos,(edificaciones excavadas bajo rocas). En cuanto al tamaño del templo, de altura tiene unos 33 m y de anchura unos 38 m. En la fachada hay 4 estatuas gigantes de Ramsés II, con la nemes y la doble corona del alto y bajo Egipto. Cada estatua mide unos 22 m de altura. A los pies de las 4 figuras se encuentran diversas estatuas menores de varios miembros de la familia del faraón.</span><br /><span style="font-weight: bold;">El interior del templo se divide en diversas estancias: santuario, sala de ofrendas, pequeñas salas contiguas, pronaos, vestíbulos y el templo solar. La parte interior del templo tiene una distribución similar a la mayoría de los templos del antiguo Egipto, con salas de tamaños menor a medida que vamos llegando al santuario. El santuario contiene tres estatuas de los dioses Ra, Ptah, Amón y una de Ramsés, todas en posición sedente.</span><br /><span style="font-weight: bold;">Este templo se construyó con la intención de impresionar a los enemigos de Egipto, cuya construccion se llevó a cabo en año 1284 a.c, y se finalizó veinte años después. Fue abandonado durante varios siglos, hasta que en 1813 Burckhardt lo visitó y le explica su descubrimiento al explorador Giovanni Belzoni, el cual viajó al lugar pero no pudo acceder al templo, por lo que volvió en 1817, esta vez encontrando la entrada y posteriormente llevándose todos los objetos que encontró y pudo transportar.</span>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-84288278687219208692011-11-05T14:15:00.003+01:002011-11-05T14:47:27.836+01:00Venus de Willendorf.<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpXzR1-H2C3el61pI81i0o-prB0_YI4zMUNjnZ6Z-x_QG9zKuUMPLAK77GmSf9Ejw_WPoG5BL0zwuc6GQctiMMYI9LKLGvIx7dnNioSaHqeaFPh0XfuBpqoKS7o01Rya5Iu0BjbAM8zCxz/s1600/venus_of_willendorf-243x300.jpg"><img style="MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 243px; FLOAT: right; HEIGHT: 300px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5671507912013047842" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpXzR1-H2C3el61pI81i0o-prB0_YI4zMUNjnZ6Z-x_QG9zKuUMPLAK77GmSf9Ejw_WPoG5BL0zwuc6GQctiMMYI9LKLGvIx7dnNioSaHqeaFPh0XfuBpqoKS7o01Rya5Iu0BjbAM8zCxz/s320/venus_of_willendorf-243x300.jpg" /></a><br /><br /><div>En 1908, en un valle del Danubio, concretamente en el yacimiento paleolítico de Willendorf, cerca de krems en la baja Austria, el arqueólogo Josef Szombathy, descubrió una pequeña estatuilla femenina, de apenas 11 cm. Que constituyó el primer descubrimiento de una pieza escultórica de época prehistórica.<br />La figura de esta mujer desnuda, de unos 11 cm de alto y de unos 5,7 cm de ancho, está esculpida en piedra caliza, utilizando colores como el ocre rojo.<br />El conjunto respeta la ley de la frontalidad aunque la cabeza parece mirar ligeramente hacia el seno mamario derecho.<br />Parece ser una representación convencional no realista ya que su abdomen, vulva, nalgas y mamas son extremadamente voluminosos, donde de algunos estudios se dice que esta voluminosidad era debido al concepto de la fertilidad.<br />Los brazos parecen ser imperceptibles y casi no se pueden percivir, se doblan sobre los senos; y no tiene una cara visible, estando su cabeza cubierta de lo que puede ser unas trenzas, un tipo de peinado o una capucha, la cabeza se encuentra inclinada hacia adelante. Las piernas son anatómicas.</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-60258261089028000752011-11-04T20:45:00.003+01:002011-11-04T21:14:38.309+01:00Maison Carrée.<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjabcl19TfW63MNysWvwGigkngSCJ5TGyEGDgK0KlXkIlntW_4_6uk3pMoABYUBtRz2AKSqhC8xSduiR0Gvep2-2XmpaUK4H3LpdNW49NcSk666ZECxP8HPyrosPdlJvQxe6uX0VqgTMQmg/s1600/Maison_Carree.jpg"><img style="MARGIN: 0px 10px 10px 0px; WIDTH: 320px; FLOAT: left; HEIGHT: 229px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5671230851124747874" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjabcl19TfW63MNysWvwGigkngSCJ5TGyEGDgK0KlXkIlntW_4_6uk3pMoABYUBtRz2AKSqhC8xSduiR0Gvep2-2XmpaUK4H3LpdNW49NcSk666ZECxP8HPyrosPdlJvQxe6uX0VqgTMQmg/s320/Maison_Carree.jpg" /></a><br /><br /><div><strong>La Maison Carrée de Nimes (Francia).</strong></div><br /><br /><br /><div><strong>La maison Carrée es un templo romano, el cual se encuentra en Francia. Es concretamente del S.XVI a.C.</strong></div><br /><div><strong>Su primera intención es la de ser un templo, por lo que simboliza el lugar donde reside el Dios y por lo cual es donde se le llevan las ofrendas.</strong></div><br /><div><strong>Aunque es un templo, se cree que Augusto fue quien lo creó con la función no de un templo, si no como un monumento.</strong></div><br /><div><strong>Difiere en el órden Toscano que era el cuadrado sobre un zócalo mediante al cual se accedia por una escalera o podium.</strong></div><br /><div><strong>Es de estilo corintio, de planta rectangular con 14m de frente y 28m de fondo. Utiliza un sistema arquitabrado y es un diseño en el domina la línea recta.</strong></div><br /><div><strong>Tiene forma hexástila con seis columnas en el frente menor y columnas laterales adosadas al muro de la cella. No todas las columnas sostienen, pues las adosadas al muro solo tienen función decorativas. El material más sobresaliente es el mármol y destacan adornos vegetativos que son casi idénticos a los del templo de Aras Pacis.</strong></div><br /><div><strong>Este templo podemos relacionarlo con templos griegos ya que también usaban los órdenes corintios y el arquitrabe.</strong></div><br /><div><strong>sobre el contexto histórico, tras las guerras civiles y durante el gobierno de Augusto, volvieron la paz y la prosperidad al imperio. Tiene conciencia de la importancia propagandística del poder político que tienen los monumentos. Se produce la romanización de las provincias, prueba de ello es este templo en la Galia.</strong></div><br /><div><strong>También con Augusto comienza el culto divino al emperador, combinado con el culto al Estado</strong>.</div>Unknownnoreply@blogger.com11tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-75952262876702688662011-10-28T12:30:00.001+02:002011-10-28T12:30:22.625+02:00Augusto de la Prima porta<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj12ZzA_zGv82CjxTVm6cvKG_FcoiGRXk-cbjzayYsCnQtUxc4uoS-Fp5_-Jm6FurXMoRbBqREmHLZnm9j3M0tMRv3EaHwDib1tP0K_k0ZWeyNy7Hgu_q5_G4arz0eX4WvRrmE88CprSIl/s1600/110+Augusto.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj12ZzA_zGv82CjxTVm6cvKG_FcoiGRXk-cbjzayYsCnQtUxc4uoS-Fp5_-Jm6FurXMoRbBqREmHLZnm9j3M0tMRv3EaHwDib1tP0K_k0ZWeyNy7Hgu_q5_G4arz0eX4WvRrmE88CprSIl/s320/110+Augusto.jpg" width="179" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVKL0R1Cu8jS3T03yMZ7ChbK7TyZslOwrkfCRqrJPKjbtUB1ZUyA4pIPf_hfk-jfzLcstuq-K7UBLfbqwQqupVcXOjHRW6q7ugiwuZCBC5FkOlPc3YZFgw311YpxtinYF92eTy2Kv5gLtY/s1600/111+Augusto+Prima+Porta.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVKL0R1Cu8jS3T03yMZ7ChbK7TyZslOwrkfCRqrJPKjbtUB1ZUyA4pIPf_hfk-jfzLcstuq-K7UBLfbqwQqupVcXOjHRW6q7ugiwuZCBC5FkOlPc3YZFgw311YpxtinYF92eTy2Kv5gLtY/s320/111+Augusto+Prima+Porta.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgp3DuraJ6CqSEOrYxXCs7pLKchCPuhbsKkeosF7Kf5ZUnAmC2xzvg6adMBHJznv08YkWhnY9jkZOU8f90vkHoZzyql3R7ROLZ_3386Pac226Go4t7L9OZVwupHdKqQAbMtXIDW4VkWy_oD/s1600/111+Augusto+Prima+Porta+pectoral.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgp3DuraJ6CqSEOrYxXCs7pLKchCPuhbsKkeosF7Kf5ZUnAmC2xzvg6adMBHJznv08YkWhnY9jkZOU8f90vkHoZzyql3R7ROLZ_3386Pac226Go4t7L9OZVwupHdKqQAbMtXIDW4VkWy_oD/s320/111+Augusto+Prima+Porta+pectoral.jpg" width="213" /></a></div>
Escultura del emperador AugustoJosé Manuel Morahttp://www.blogger.com/profile/01899572219386721034noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-70944272018012253862011-10-27T19:15:00.004+02:002011-10-28T12:19:16.006+02:00Arte Romano: Loba Capitolina<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-RItNSBK5U8HIL0X4bNaXKhqhvWq81EwHhS3V7DhX6AepQ5mScg3Ci9aFaEmDK-4eTZxgmJxHuqZRVahSoh4DAwwtfeFi6Bgd0JuhUNSF5BA_7nxzHtSTU_GxYSR62aLoGiW2kjv_asc/s1600/Capitoline_she-wolf_Musei_Capitolini_MC1181.jpg"><img style="float:left; margin:0 10px 10px 0;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 240px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-RItNSBK5U8HIL0X4bNaXKhqhvWq81EwHhS3V7DhX6AepQ5mScg3Ci9aFaEmDK-4eTZxgmJxHuqZRVahSoh4DAwwtfeFi6Bgd0JuhUNSF5BA_7nxzHtSTU_GxYSR62aLoGiW2kjv_asc/s320/Capitoline_she-wolf_Musei_Capitolini_MC1181.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5668224329412049730" border="0" /></a><span style="font-family: georgia;font-size:100%;" ><b style="color: rgb(153, 0, 0);">Luperca</b> es el nombre de la loba que según la mitología amamantó a <span style="text-decoration: underline;">Rómulo y Remo</span> cuando estos fueron mandados a matar por el rey <span style="text-decoration: underline;">Amulio</span>. Actualmente la estatua dedicada a ella, llamada "la loba capitolina" (<i>lupa capitolina</i> en italiano), se conserva en el museo del Capitolio romano (Museos Capitolinos). Se trata de una figura en bronce, de 75 centímetros de altura y 114 de anchura. Según la tradición, se trataría de una escultura etrusca, aunque recientemente se ha puesto en duda esta datación, demostrándose finalmente que ésta data de la <span style="text-decoration: underline;">Edad Media</span>.<br /><br />No se puede saber con exactitud el autor de la obra, pero se le atribuye a Vulca de Veii (la escultura Etrusca es prácticamente anónima, sólo se conoce el nombre de Vulca, un escultor muy importante que trabajó sobretodo en Veyes).<br />Al principio esta escultura se creía original de Roma, pero las pruebas han detectado que es anterior, por lo que su origen es un tanto ambiguo. <br />La escultura originalmente estaba constituida únicamente por la loba, que era un animal muy venerado por los etruscos y por eso debió haber una escultura similar a esta, sin los niños, Rómulo y Remo, que se unieron después por los escultores Ogulnios, quienes los añadieron para convertir a la loba en el símbolo de la creación de la nueva Roma. La escultura tiene un gran detallismo dado el periodo en el que está trabajada, y sobre todo mucha naturalidad, sobre todo en la expresión de la loba. La técnica usada era a la cera perdida, lo que supone una gran perfección dado los moldes de cera.<br /></span>Unknownnoreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-40086469171973624082011-10-18T12:44:00.004+02:002011-10-18T12:54:43.417+02:00Bienvenidos<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOBUM7IVODqguEZxF-jLvyI-ez4NFZ2Mf43ysRmcBYxU_y_JgIwev6clE6KPA0XMu2Y784InshIpfW6WOT0Vge6BVKwBkMpuUdjfUxIVAiuN2VAAO_2WB4iLzSZKMdjwMaxN529vK1vkw/s1600/DISC%25C3%2593BOLO-90.jpg"><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 193px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOBUM7IVODqguEZxF-jLvyI-ez4NFZ2Mf43ysRmcBYxU_y_JgIwev6clE6KPA0XMu2Y784InshIpfW6WOT0Vge6BVKwBkMpuUdjfUxIVAiuN2VAAO_2WB4iLzSZKMdjwMaxN529vK1vkw/s320/DISC%25C3%2593BOLO-90.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5664782975182269650" border="0" /></a>Bienvenidos a nuestro blog de Historia del Arte; comentaremos varias obras de importancia e intentaremos introduciros en los saberes básicos de el conocimiento artístico. Sois libres de dejad vuestros comentarios o críticas,nosotras los trataremos lo más cercanamente posible.<br />Gracias por su colaboración.Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-21424052453253859722011-05-24T18:59:00.001+02:002011-10-11T20:59:46.010+02:00El quitasol de Francisco de Goya. Pintura<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1-LR4xhTCm4k0N3FmJP42rJ7JZ-CZKaWJH6-v7YHypJJCCd2LMT6d_9bIMZiaHGQi12vFVWcl73wKyhAJHYq9_KRnNKo-dDe7zcRWivTOsmETZ0wtBhi_l84nfHvTg8qqJqWTQVSbupfR/s1600/el+quitasol.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="float:left; margin:0 10px 10px 0;cursor:pointer; cursor:hand;width: 300px; height: 207px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1-LR4xhTCm4k0N3FmJP42rJ7JZ-CZKaWJH6-v7YHypJJCCd2LMT6d_9bIMZiaHGQi12vFVWcl73wKyhAJHYq9_KRnNKo-dDe7zcRWivTOsmETZ0wtBhi_l84nfHvTg8qqJqWTQVSbupfR/s320/el+quitasol.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5610328692020423746" /></a><br /><p><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial; color:black">La imagen muestra<span class="apple-converted-space"> </span><u>"El quitasol"</u>, cuyo autor fue Goya durante 1777, y por lo tanto perteneciente a la pintura pre-impresionista. Se trata de un tema popular, concretamente representa a un joven tapando el sol a una maja. Es de óleo sobre lienzo y mide 104 x 152 cm.<o:p></o:p></span></p> <p><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial; color:black">Se trata de uno de los tapices que creó Goya para la fábrica de tapices, siendo la cantidad abonada por el cartón bastante baja en relación con los demás. El motivo pudo ser que éste es el trabajo, de esta serie, que tiene el menor número de personajes en escena y el fondo no presenta ningún paisaje, como en otras obras, con todo lujo de detalles. Pertenece a la serie para decorar el comedor de los príncipes de Asturias en el Palacio de El Pardo y se debió pintar entre el 3 de marzo y el 12 de agosto de 1777.<o:p></o:p></span></p> <p><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial; color:black">En la cuenta que presentó Goya a la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, fechada el mismo día de la entrega, pedía por<span class="apple-converted-space"> </span><i>El quitasol</i><span class="apple-converted-space"> </span>mil quinientos reales de vellón e indicaba:<o:p></o:p></span></p> <p><b><i><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif"; mso-ascii-theme-font:minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family: Arial;color:black">"representa una muchacha sentada en un ribazo, con un perrillo en el Alda, a su lado un muchacho en pie haciéndole sombra con un quitasol".</span></i></b><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif"; mso-ascii-theme-font:minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family: Arial;color:black"><o:p></o:p></span></p> <p><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial; color:black">En esta obra, Goya acerca las figuras al primer plano en un grupo piramidal. El fondo carece de profundidad. La sombrilla aparece como elemento renovador. Estos elementos revelan una gran modernidad. Resulta innovador el tratamiento que le da Goya a esta pintura: se aproxima a la tradición francesa en la idea del tema con cierta picaresca y galantería. De la tradición italiana extrae la vivacidad cromática de esta paleta; con rojos, amarillos, azules y verdes que representan la alegría de vivir de la corte de los tiempos de Carlos III.<o:p></o:p></span></p> <p><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial; color:black"><br />La sensación de realidad se logra con la mirada que dirige la mujer al espectador, haciéndole pensar la causa de su sonrisa. Aparte de la falta de precisión del espacio, la proximidad de las figuras, la forzada perspectiva y posición del quitasol. Las diferencias entre el cartón y el tapiz de<span class="apple-converted-space"> </span><b><i><u>El</u></i></b><span class="apple-converted-space"> </span><b><u>quitasol</u></b><span class="apple-converted-space"><i> </i></span>son notables, probablemente al ejecutar los tejedores el trabajo con ciertos cambios; en consecuencia, la espontaneidad y naturalidad del cartón han sido sustituidas por un amable pintoresquismo decorativo.<o:p></o:p></span></p> <p><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial; color:black">El empleo de la luz y la utilización del cromatismo también son distintos, así como el modo y manera en que la indumentaria se fija para marcar las diferencias sociales: el personaje masculino viste de majo, dentro del esquema tradicional de la época y la muchacha se viste a la francesa, en términos de nivel aristocrático. También conviene recordar que hay una interpretación que pasa el simple tema galante para entrar en el amplio mundo de la coquetería y la vanidad femeninas en contraposición al joven que acompaña, tratado en calidad de comparsa y no en concepto de pareja.<o:p></o:p></span></p> <p><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial; color:black">La sombrilla era un objeto de moda en la pintura de género del siglo XVIII. Estaba presente casi siempre donde se encontraba una mujer y su cortejador al aire libre, fue tan común que llegó a convertirse en una forma de identificar la galantería.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; mso-bidi-font-family:Arial;color:black;mso-fareast-language:ES"><o:p> </o:p></span></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-49791096929701590222011-05-24T18:58:00.001+02:002011-10-11T20:59:46.025+02:00Capilla Palafox de Burgo de Osma de Juan de Villanueva. Arquitectura<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_wmg7mG1s0pYXBKifDTh2gme8RfeTnjygrYL5qwj203rQKee63mOQKiv_PgJSSgkO7yEi42ZDuVcXf8TTiz-FQrEtxpS7BAOpLTiyJCLcHTYhzsYGIW1u52P5k5r_mzM4wECF7rnnT1wb/s1600/catedral_burgo_de_osma_soria.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 164px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_wmg7mG1s0pYXBKifDTh2gme8RfeTnjygrYL5qwj203rQKee63mOQKiv_PgJSSgkO7yEi42ZDuVcXf8TTiz-FQrEtxpS7BAOpLTiyJCLcHTYhzsYGIW1u52P5k5r_mzM4wECF7rnnT1wb/s320/catedral_burgo_de_osma_soria.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5610328366218358658" /></a><br /><p style="margin-top:0cm;margin-right:0cm;margin-bottom:7.5pt;margin-left:0cm; line-height:16.5pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Georgia","serif"; color:#333333">En 1761 el padre franciscano Joaquín Domingo de Eleta, natural de El Burgo de Osma y confesor del rey Carlos III, resuelve realizar una capilla para venerar a Juan de Palafox y Mendoza, obispo de la Diócesis de Osma entre los años 1654 y 1659.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:0cm;margin-right:0cm;margin-bottom:7.5pt;margin-left:0cm; line-height:16.5pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Georgia","serif"; color:#333333">Situada detrás del Altar Mayor en el centro de la girola, este conjunto es un claro exponente del paso del estilo Barroco al Neoclásico. Posee una gran riqueza, no sólo por el empleo de materiales nobles, sino por la gran diversidad de manifestaciones artísticas.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:0cm;margin-right:0cm;margin-bottom:7.5pt;margin-left:0cm; line-height:16.5pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Georgia","serif"; color:#333333">La capilla es de planta central, una rotonda articulada en torno a cuatro grandes columnas corintias con pilastras intercaladas y una recapilla secundaria. <o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:0cm;margin-right:0cm;margin-bottom:7.5pt;margin-left:0cm; line-height:16.5pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Georgia","serif"; color:#333333">En la construcción de esta capilla intervinieron maestros de primera línea: los tracistas fueron Juan de Villanueba y Francisco Sabatini. La bóveda fue realizada por Domingo Brili y la pintura mural por Salvador Maella.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:0cm;margin-right:0cm;margin-bottom:7.5pt;margin-left:0cm; line-height:16.5pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Georgia","serif"; color:#333333">Junto al ábside del templo catedralicio se encontraban, desde el siglo XVI, las casas consistoriales de la villa de El Burgo de Osma, lo que fue causa de no pocos problemas. Cuando en la segunda mitad del siglo XVIII la catedral necesitó espacio sobre el que levantar las nuevas dependencias de sacristía, capilla de Palafox y otras salas, la problemática se agudizó. A la hora de elegir el sitio, el obispo Calderón consideró que el más idóneo era el que ocupaban las casas consistoriales, por ello se llegó a un acuerdo con la villa para que cediese a la catedral ese lugar a cambio de que ésta costeara la edificación de un nuevo ayuntamiento en otro lugar, eligiéndose el frontero al Hospital de San Agustín, con lo que se originó, al erigirse también casas particulares, una nueva plaza Mayor.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:0cm;margin-right:0cm;margin-bottom:7.5pt;margin-left:0cm; line-height:16.5pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Georgia","serif"; color:#333333">Francisco Sabatini, sabiendo las dependencias que se querían construir (girola, sacristía, capilla y salas anejas) y basándose en unas mediciones realizadas por otros arquitectos, elaboró unas trazas para la ampliación de la cabecera catedralicia en 1769. Sin embargo, quien concretó el proyecto fue Juan de Villanueva, por iniciativa de uno de los personajes que más influían en la voluntad del monarca, su confesor el burgense fr. Joaquín de Eleta.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:0cm;margin-right:0cm;margin-bottom:7.5pt;margin-left:0cm; line-height:16.5pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Georgia","serif"; color:#333333">Las obras para la construcción de la sacristía, una vez demolido el edificio que servía de ayuntamiento, comenzaron el 25 de junio de 1770 con arreglo a la traza ideada por Juan de Villanueva y bajo la dirección de Ángel Vicente Ubón. Su inauguración tuvo lugar el día 8 de septiembre de 1775.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:0cm;margin-right:0cm;margin-bottom:7.5pt;margin-left:0cm; line-height:16.5pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Georgia","serif"; color:#333333">La capilla de Palafox presenta una planta centrada en una rotonda conformada por cuatro grandes machones con dos pilastras en su frente, flanqueando los nichos donde se colocan las esculturas de las virtudes cardinales, que dejan otras cuatro aberturas con dos columnas cilíndricas exentas de extrañísimos capiteles y perfil de fuste en cada una de ellas. Las aberturas corresponden al vestíbulo, al presbiterio alargado y a los dos altares laterales de Santo Domingo y San Pedro de Alcántara. Las dos columnas del frente de la capilla, dispuestas delante de sendos machones prismáticos de planta rectangular, al que se adosan pilastras corintias, separan la rotonda del alargado presbiterio, iluminado por un transparente y con un fresco de Mariano S. Maella. En el testero está colocado el retablo que iba a servir de cobijo a la escultura de Palafox una vez beatificado y que hoy preside la estatua de la Inmaculada, de Roberto Michel. <o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:0cm;margin-right:0cm;margin-bottom:7.5pt;margin-left:0cm; line-height:16.5pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Georgia","serif"; color:#333333">La entrada de la capilla se remarca con una clásica portada, con arco de medio punto enmarcado por columnas jónicas que soportan el entablamento y el frontón triangular. En el interior, sobre el ingreso, se encuentran las armas del rey Carlos III, que se reservó el patronazgo del recinto, por lo que esta capilla tiene el título de Real.<o:p></o:p></span></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-38036441039811218602011-05-24T18:56:00.001+02:002011-10-11T20:59:46.020+02:00Las hilanderas de Velázquez. Pintura.<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoxFd5ZsyJeoZXQzMc22BN1DkoA_hVDW0FyBBYxGEFI9mn2zLQaNAWdVZzNFxmjXDxKglOcl-b35vcQhPuvihKtp-AmLlah2LAKhNAueWPIb4z4xLiNRL7dmHJV1zVgzQ-XesJ5z1jRg8L/s1600/hilanderas%252C+pintura.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="float:right; margin:0 0 10px 10px;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 214px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoxFd5ZsyJeoZXQzMc22BN1DkoA_hVDW0FyBBYxGEFI9mn2zLQaNAWdVZzNFxmjXDxKglOcl-b35vcQhPuvihKtp-AmLlah2LAKhNAueWPIb4z4xLiNRL7dmHJV1zVgzQ-XesJ5z1jRg8L/s320/hilanderas%252C+pintura.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5610327893788813938" /></a><br /><p class="MsoNormal" style="line-height:13.5pt"><span style="mso-fareast-font-family: "Times New Roman";mso-bidi-font-family:Arial;color:#222222;mso-fareast-language: ES">Las Hilanderas, una de las obras más conocidas de Velázquez, está fechada en 1651, por unos, (en 1657 por otros) y, actualmente, podemos verla en el Museo del Prado (Madrid).<b>Temáticamente</b> es uno de los cuadros más controvertidos de Velázquez, una de las obras más interesantes y enigmáticas del pintor sevillano. Fue pintado para D. Pedro de Arce, Montero del Rey, aunque en el siglo XVIII ya figura en las colecciones reales. En <b>primer plano vemos un taller</b> con cinco mujeres (<b>hilanderas</b>) que preparan las lanas para la fabricación de tapices. <b>Al fondo</b>, detrás de ellas, y en <b>una estancia</b> que aparece más elevada, aparecen otras cinco mujeres ricamente vestidas, sobre un fondo de <b>tapices</b> (parece que contemplan una escena mitológica). Esta última escena sería la que da título al cuadro "<b><i>La Fábula de Aracne" .</i></b>Aracne era una de las mejores tejedoras de toda Grecia, sus bordados eran tan maravillosos que la gente comentaba que sus habilidades le habían sido concedidas por Atenea, diosa de la sabiduría y patrona de los artesanos. Pero Aracne tenía un gran defecto, era una muchacha muy vanidosa y decía, continuamente, que ella era la mejor tejedora. Un día, la orgullosa Aracne, no pudo aguantar más los comentarios de sus vecinos y llegó a compararse con Atenea. Se pasaba el día lanzando desafíos a la diosa e invitándola a participar en un concurso para ver cuál de las dos tejía mejor. La diosa Atenea quiso darle una lección a Aracne y bajó desde el Olimpo a la Tierra para aceptar su reto. Comenzó el concurso, Aracne y Atenea estuvieron tejiendo durante todo un día. Las dos hacen unas cosas muy bellas y perfectas. En el centro del lienzo Atenea retrata a varios dioses, señalando su descomunal poder y en las cuatro esquinas del lienzo representa castigos impuestos por los dioses a ciertas personas. Aracne por su parte representa todos los engaños cometidos por los dioses para enamorar, engañar y raptar a las ninfas. Atenea trata de encontrar algún error sin éxito. Furiosa lo rompe y castiga a Aracne transformándola en araña para que siempre haga lo que se le da muy bien: tejer hilo. <b>Con esta fábula, Velázquez quiere indicarnos que la pintura es un arte liberal, igual que el tejido de tapices, no una artesanía</b> como la labor que realizan las mujeres en primer término. La <b>iconografía simbólica</b> puede parecer una cuestión secundaria dada la riqueza formal de la obra.</span><span style="mso-fareast-font-family:"Times New Roman";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-fareast-language:ES"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="line-height:13.5pt"><span style="mso-fareast-font-family: "Times New Roman";mso-bidi-font-family:Arial;color:#222222;mso-fareast-language: ES">Es una tela de <b>gran armonía compositiva</b> basada en <b>las relaciones de luz, ritmo y color.</b> La luz del fondo crea una gradación de contraluces alterada por un foco que ilumina el primer plano. Velázquez consigue que nuestra vista pase de la hilandera iluminada de la derecha a la de la izquierda para saltar por encima de la que se agacha en la penumbra a la escena del fondo, nuevamente iluminada. Allí, una de las mujeres se vuelve hacia el espectador como si se sorprendiese de nuestra incursión en la escena. Poner el mensaje en un segundo plano es un juego típico del Barroco. También hay quien piensa que se trata de una escena del obrador de la Fábrica de Tapices de Santa Isabel que el pintor solía frecuentar a menudo. Pero esto no sirve para explicar la escena de segundo plano. Trate sobre lo que trate, estamos ante una de las mejores pinturas, en la que Velázquez ha sabido dar <b>sensación de movimiento, como se aprecia en la rueca de la izquierda, cuyos radios no ve</b>mos, y en la figura de la derecha que devana la lana con tanta rapidez que parece que tiene seis dedos. También hay que destacar <b>el efecto atmosférico</b>, es decir, la sensación de que <b>entre las figuras hay aire que distorsiona los contornos y hace que las figuras estén borrosas</b>. La <b>pincelada</b> no puede ser más suelta, utilizando<span style="mso-spacerun:yes"> </span><b>manchas</b> como en el caso del gato o el rostro inacabado de la mujer del centro, que está a contraluz. <b>La luz</b> viene de la derecha, siendo admirable que con tan limitado colorido se obtenga esa excelente luminosidad. El artista consigue <b>anticiparse al Impresionismo en 250 años</b>. Los añadidos posteriores en los cuatro lados hacen la obra más grande pero no menos interesante.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p>Unknownnoreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-53980508249240617342011-05-24T18:55:00.002+02:002011-10-11T20:59:46.031+02:00David de Bernini. Escultura<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhP0P5rErgw5oze8MMcFnjZnSwxiXgiseIPoYdDo0l2mDEXNvTzHKY4Z_ZXVYrcHUUNUZlcZVh0B7V49ZA3leqFwZOPRsvVF-NaGyJDRiCpGEuWw9CjFx00hfklvi5aEmJVoFuiV5kEds0E/s1600/bernini_david%255B1%255D+escultura.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="float:left; margin:0 10px 10px 0;cursor:pointer; cursor:hand;width: 205px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhP0P5rErgw5oze8MMcFnjZnSwxiXgiseIPoYdDo0l2mDEXNvTzHKY4Z_ZXVYrcHUUNUZlcZVh0B7V49ZA3leqFwZOPRsvVF-NaGyJDRiCpGEuWw9CjFx00hfklvi5aEmJVoFuiV5kEds0E/s320/bernini_david%255B1%255D+escultura.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5610327507943978338" /></a><br /><p class="MsoNormal">La imagen que vemos a continuación representa una escultura barroca que pertenece al gran escultor Bernini. </p> <p><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:black">Representa al futuro rey<span class="apple-converted-space"> </span>David, uno de los personajes del<span class="apple-converted-space"> </span>Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante<span class="apple-converted-space"> </span>Goliat<span class="apple-converted-space"> </span>lanzando una piedra con una<span class="apple-converted-space"> </span>honda.<o:p></o:p></span></p> <p><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:black">A pesar de la temática cristiana, esta estatua, entre otras de temas similares, sirve para rescatar el tema clásico de los jóvenes atletas griegos, los<span class="apple-converted-space"> </span>kuroi.<o:p></o:p></span></p> <p><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:black"><span style="mso-spacerun:yes"> </span>En comparación con otras versiones pasadas del tema, como la famosa estatua<span class="apple-converted-space"> </span><i>el<span class="apple-converted-space"> </span>David de Miguel Ángel</i>, se muestran cualidades paradigmáticas de la escultura del<span class="apple-converted-space"> </span>Barroco. Sobre la placidez clásica y renacentista, Bernini introduce emoción y dinamismo.<o:p></o:p></span></p> <p><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:black">Al contrario que en obras más tempranas del artista, esta obra no presenta el mismo énfasis vertical. El cuerpo de la figura se muestra en el instante en que se dispone a tirar la piedra, los dos pies apoyados, el cuerpo medio girado. La figura está en tensión, el movimiento y la potencia están implícitos. La cara muestra concentración, con el ceño fruncido e incluso mordiéndose el labio inferior. Este David no es el guerrero perfecto e<span class="apple-converted-space"> </span>idealizado, sino uno muy humano esforzándose para lograr sus metas. Tras la figura, yacen varias armas descartadas, recordándonos que esta no es una batalla ganada a través de un armamento superior, sino de un esfuerzo físico. A sus pies, un arpa hermosamente tallada, que indica que David se convertirá en un poeta.<o:p></o:p></span></p> <p><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:black">Tampoco es típico de las esculturas anteriores de Bernini el representar un hombre, en otras obras como<span class="apple-converted-space"> </span>Apolo y Dafne<span class="apple-converted-space"> </span>elige modelos mucho más jóvenes y delicados.<o:p></o:p></span></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-12591013832546943872011-05-24T18:48:00.005+02:002011-10-11T20:59:46.004+02:00San Carlos de las cuatro fuentes de Borromini. Arquitectura.<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPOQahgDH8Bbr-Re6vOkP13HfMOSIe6BXzx80QiZObA7_OcYLmADaFCRi2ogIiIbgEx30NiJF-u9oCg7U9PPjOG7quN0o1iAS5hCo1cAM5gRzQ4sl12s0_sT7cjiTb98D7_2C4WCG5j8m6/s1600/borromini+San+carlos+de+las+4+fuentes+barroco.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 168px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPOQahgDH8Bbr-Re6vOkP13HfMOSIe6BXzx80QiZObA7_OcYLmADaFCRi2ogIiIbgEx30NiJF-u9oCg7U9PPjOG7quN0o1iAS5hCo1cAM5gRzQ4sl12s0_sT7cjiTb98D7_2C4WCG5j8m6/s320/borromini+San+carlos+de+las+4+fuentes+barroco.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5610326459922790242" /></a><p class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><span style="color:black">San Carlos de las Cuatro Fuentes es conocida como</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><i><span style="color:black">San Carlino</span></i></span><span class="apple-converted-space"><span style="color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="color:black">por sus reducidas dimensiones, y se trata de la obra más representativa de Borromini y, paradójicamente, es contemporánea de la columnata de San Pedro del Vaticano, de Bernini.</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="color:black">San Carlos es la primera obra autónoma de Borromini y también la última en la que trabajará el arquitecto.</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="color:black"> <o:p></o:p></span></span></p> <p class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><span style="mso-bidi-font-family: Arial;color:#333333"><o:p> </o:p></span></span></p> <p class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><span style="mso-bidi-font-family: Arial;color:#333333">Fue erigida en Roma a mediados del siglo XVII. La fachada del templo, constituye un paradigma del barroco italiano. Dividida en dos tramos separados por un friso que contiene, en latín (IN HONOIS TRINITATEM ET CAROLI MDCLVI), una dedicatoria y la fecha de su consagración (1666), cada uno de los pisos está jalonado verticalmente por cuatro columnas de orden compuesto gigante (fuste liso y capitel corintio).</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="mso-bidi-font-family:Arial;color:#333333"> </span></span><span style="mso-bidi-font-family:Arial;color:#333333"><br /><span class="apple-style-span">El piso inferior se halla dividido a su vez en dos niveles: en el inferior encontramos dos óculos elípticos ocupando los intercolumnios externos mientras que el intercolumnio central contiene la puerta de acceso, adintelada y flanqueada por sendas columnas compuestas sobre podio.</span><span class="apple-converted-space"> </span><br /><span class="apple-style-span">En el segundo nivel de este tramo bajo, tres hornacinas contienen las imágenes de santos. El tramo superior repite el esquema del inferior aunque las columnas son más cortas. Las hornacinas aparecen vacías y el hueco central, sobre la puerta de entrada, está ocupado por una ventana (precedida por un antepecho) y un medallón elíptico vacío que corona la fachada. Por encima de una segunda cornisa, un estrecho ático ligeramente retranqueado culmina el conjunto del frontispicio.</span><br /><span class="apple-style-span">Pero la mayor singularidad que presenta este edificio son las curvas que describe la fachada. La nave central aparece adelantada y el friso y la cornisa que separa los dos tramos remarca la ondulación del paramento. La segunda cornisa acentúa aun más la sensación de curvas del muro.</span><br /><span class="apple-style-span">Tanto las columnas compuestas de orden gigante, como la curvatura del muro y los vanos y el medallón de forma elíptica nos recuerdan que el diseño es prototípico del Barroco tan propenso al uso de las elipses y las columnas gigantescas.</span><br /><span class="apple-style-span">Posee una planta alabeada,</span><span class="apple-converted-space"> </span><br /><span class="apple-style-span">La fiebre edilicia que parece afectar a Roma a lo largo del siglo XVII es una muestra del afán de la Iglesia Católica por demostrar su poder. Muy debilitado por las constantes luchas contra los Reformistas, el papado se empeña en demostrar su poder construyendo fastuosos templos y palacios aunque en muchos casos, la apariencia de lujo y poder encubre la pobreza de los materiales (ladrillo, estuco) que prueban el mal momento económico de la iglesia. Este esfuerzo constructivo va a dar origen a muchos templos emblemáticos y monumentos que sembrarán la ciudad de hitos que harán historia.</span><br /><span class="apple-style-span">El resto de Europa, sumida en el conflicto de la guerra de los Treinta Años, contempla la caída del Imperio Español y el asunción del relevo por la Francia de Luís XIV que dará comienzo a uno de los periodos de mayor peso político del país galo en la política europea. Mientras tanto, España atraviesa una profunda crisis económica que, heredada del siglo anterior, se hace crónica a la que se suma el desánimo moral que supone la pérdida de la primacía política en el viejo continente.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal"><span class="Apple-style-span" ><b><br /></b></span></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-72404438510403576672011-05-24T18:46:00.001+02:002011-10-11T20:59:46.039+02:00La virgen de las rocas de Leonardo da Vinci.<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAU8wk4hzMnD4lp483gRGZ-Lqoa6V7NxnFHKd2BzSldTiS7gHt_uLGWeuT-WcMCG5EEB7C0P9xR7bd2Ex_G-g_P0ln1uRkyuawHMsbKLmFGF4ZSFKpACsz5y17zKxMsHsUw1DAlWdt6LTy/s1600/250px-Leonardo_da_Vinci_029.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="float:right; margin:0 0 10px 10px;cursor:pointer; cursor:hand;width: 192px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAU8wk4hzMnD4lp483gRGZ-Lqoa6V7NxnFHKd2BzSldTiS7gHt_uLGWeuT-WcMCG5EEB7C0P9xR7bd2Ex_G-g_P0ln1uRkyuawHMsbKLmFGF4ZSFKpACsz5y17zKxMsHsUw1DAlWdt6LTy/s320/250px-Leonardo_da_Vinci_029.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5610325425604411554" /></a><br /><p class="MsoNormal">En esta imagen podemos observar un cuadro de Leonardo Da Vinci, gran pintor perteneciente a la etapa artística del Cinquecento.</p> <p class="MsoNormal">Observamos por tanto el cuadro que tiene como título La virgen de las rocas. En ella se observa a la Virgen que <span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">está en el centro, con la mano derecha sostiene a</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">Juan el Bautista, a quien la Virgen está mirando. A su izquierda hay un ángel sentado más abajo que la Virgen. Más abajo está el niño Jesús sentado, y él también mira a Juan Bautista. La Virgen predomina en la imagen. Leonardo eligió pintar un momento apócrifo de la infancia de Cristo, cuando</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> Juan el Bautista </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">niño (San Juanito), huérfano, refugiado dentro de una gruta y protegido por un ángel, encuentra a la Sagrada Familia en su huida a</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Egipto. De acuerdo con la interpretación tradicional de las pinturas, representan a la Virgen María en el centro, empujando a Juan hacia Jesús, que está sentado con el ángel Uriel. Jesús está bendiciendo a Juan, que extiende su mano en un gesto de oración. En este cuadro, tal como lo pinta Leonardo, Juan reconoce y venera al Niño como</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">Cristo</span></span>. </p> <p class="MsoNormal">Se encontraron varias versiones de este cuadro ambos<span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">pintados con idéntica técnica pictórica de óleo sobre tabla. La versión del<span class="apple-converted-space"> </span>Museo del Louvre<span class="apple-converted-space"> </span>fue transferida a lienzo desde el panel original de madera, pero la que se conserva en Londres aún permanece sobre tabla.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family: "Arial","sans-serif";color:black">En el 2005 fue descubierta una tercera versión atribuida a Leonardo, siendo expuesta en la muestra<span class="apple-converted-space"> </span><i>Leonardo: Genio e visione in terra marchigiana</i>.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family: "Arial","sans-serif";color:black">A pesar de su gran tamaño (dos<span class="apple-converted-space"> </span>metros<span class="apple-converted-space"> </span>de alto por uno veinte de ancho), lo cierto es que no se trata de una composición tan compleja como<span class="apple-converted-space"> </span><i>La adoración de los magos</i>, ordenada por los monjes de San Donato, pues hay sólo cuatro figuras en lugar de 50, y un paisaje rocoso en vez de detalles arquitectónicos.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family: "Arial","sans-serif";color:black">La<span class="apple-converted-space"> </span>Virgen<span class="apple-converted-space"> </span>está sentada en el suelo de una<span class="apple-converted-space"> </span><i>spelunca</i><span class="apple-converted-space"> </span>o refugio rocoso entre montañas. El paisaje que se divisa entre las rocas es<span class="apple-converted-space"> </span>alpino, sin parecido a la<span class="apple-converted-space"> </span>Toscana<span class="apple-converted-space"> </span>ni a las más famosas cumbres de los<span class="apple-converted-space"> </span>Apeninos.<span class="apple-converted-space"> </span>Es un ambiente absolutamente innovador, en el que las figuras se agrupan formando una<span class="apple-converted-space"> </span>pirámide, envueltos por un paisaje salvaje de rocas que caen y aguas que se arremolinan. Destaca en la versión del Louvre el delicado uso del<span class="apple-converted-space"> </span><i>sfumato</i><span class="apple-converted-space"> </span>leonardesco que deshace los contornos de las figuras, creando un ambiente misterioso e irreal. Es reseñable también la precisión del dibujo, que se detiene en las plantas del primer plano reproduciendo exactamente las variadas especies vegetales, fruto sin duda de los conocimientos botánicos de Leonardo. En la versión londinense, en cambio, las plantas aparecen descritas de forma sumaria y repetitiva, reforzando la tesis de la copia. La antedicha atmósfera difuminada se muestra en el cuadro de Londres mucho menos sutilmente, y en lugar de penumbra aparecen sombras duras y reflejos metálicos, y una iluminación casi lunar.</span></p> <p class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><span style="font-size:9.0pt; line-height:115%;font-family:"Verdana","sans-serif";color:#3C3C3C">Contrasta el uso de colores fríos (azul, verde) y cálidos (naranja, marrones) que dan vitalidad a las personas y acercan los objetos. Utiliza la técnica del claroscuro en la que la luz es creadora de sombras y mediante la perspectiva aérea disecciona el espacio en tres puntos, dos en los lados del horizonte y otro hacia abajo.<o:p></o:p></span></span></p> <p class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><span style="font-size:9.0pt; line-height:115%;font-family:"Verdana","sans-serif";color:#3C3C3C">Las figuras de Leonardo oscilan entre lo femenino y lo masculino, entre lo divino y lo terrenal. Su realismo idealizado llega a una minuciosidad que nos recuerda a Van Eyck en el tratamiento de las telas y, en especial, en las plantas.</span></span></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-28016171317456572052011-05-24T18:43:00.001+02:002011-10-11T20:59:46.015+02:00David de Donatello<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFs0ZexmXIMsHSEqUZrcWwXJeWXX4f_AkMDCe9xMIS8fqALHan0e0OyPEJL4ObuE8Il95qPItXtgQixDiKYosrIMm5m4KsRzhJpLHQO6D2pnkVibPZ9_s6d1zvlInbAoSy-C8n8rtvHvbF/s1600/220px-Donatello_-_David_-_Floren%25C3%25A7a.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 198px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFs0ZexmXIMsHSEqUZrcWwXJeWXX4f_AkMDCe9xMIS8fqALHan0e0OyPEJL4ObuE8Il95qPItXtgQixDiKYosrIMm5m4KsRzhJpLHQO6D2pnkVibPZ9_s6d1zvlInbAoSy-C8n8rtvHvbF/s320/220px-Donatello_-_David_-_Floren%25C3%25A7a.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5610325009161686226" /></a><br /><p class="MsoNormal" style="line-height:normal"><span style="mso-fareast-font-family: "Times New Roman";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES"><span class="Apple-style-span" >Esta imagen que vemos a continuación se corresponde con una escultura, podemos decir que se trata del <i>David</i> de Donatello, escultor del <i>Quattrocento.</i> Se<i> </i>trata de escultura de bronce de 158 cm de altura. La obra fue realizada en torno a 1440 (o a 1430 según algunos expertos) por encargo de Cosme de Médici, que quería situarla en los jardines de su palacio de Florencia .Actualmente se encuentra en el Museo del Bargello. <o:p></o:p></span></span></p> <p class="MsoNormal" style="line-height:normal"><span style="mso-fareast-font-family: "Times New Roman";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES"><o:p><span class="Apple-style-span" > </span></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="line-height:normal"><span class="Apple-style-span" ><span style="mso-fareast-font-family: "Times New Roman";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">Es una obra representativa del <i>quattrocento</i> italiano y tiene un aire inequívocamente clásico debido a su desnudez y a su composición claramente praxiteliana. Por eso, aunque se trata de un tema bíblico, en este adolescente frágil y audaz se reconoce inmediatamente a un héroe de la Antigüedad clásica.</span><span style="mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language:ES"><o:p></o:p></span></span></p> <p class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><span style="color:#3C3C3C"><o:p><span class="Apple-style-span" > </span></o:p></span></span></p> <p class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><span style="color:#3C3C3C"><span class="Apple-style-span" >El escultor nos representa al joven héroe bíblico concebido como si de una escultura del mundo griego se tratara, ya que lo muestra sin ropa, valorando el cuerpo desnudo como portador de belleza, concepto claramente clásico pues el tema no lo requiere, igual que la valoración de la belleza formal por encima de la temática, que en la Edad Media había quedado relegada al primar los valores expresivos sobre los externos, tratándose de una obra concebida también para el goce estético. Algunos autores ven en esta escultura una cierta evocación de la elegancia del gótico internacional unida a los nuevos valores estéticos del mundo renacentista.<o:p></o:p></span></span></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="color:#3C3C3C"><span class="Apple-style-span" >Esta obra constituye el primer desnudo de bulto redondo tras la desaparición del imperio romano. También es clásico el momento elegido para representarlo, ya que nos muestra al joven una vez que ha derrotado a su rival con la honda y le ha cortado la cabeza con su propia espada. Aparece relajado, sin tensión, dibujando un claro óvalo compositivo, cerrando las líneas con la espada apoyada en el suelo.<o:p></o:p></span></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="color:#3C3C3C"><span class="Apple-style-span" >El modelo es claramente praxiteliano, tanto por el exagerado contraposto de su cuerpo como por el tratamiento anatómico blando, suave, casi femenino que caracterizaba la obra del maestro griego (particularmente evoca la estatua del “Apolo Sauróctonos”) y que Donatello representa en esta obra. Posee un ritmo suavemente ondulado, realzado por los brazos separados del cuerpo, uno sujetando la espada y el otro apoyado en el cuerpo, dando la sensación de relajación, de tranquilidad. La misma inflexión de las piernas evita cualquier tensión a la figura. Sólo la cabeza que está bajo el pie izquierdo del David nos recuerda lo ocurrido en el combate, así como una piedra que tiene el adolescente en su mano izquierda. David aparece representado con el pelo largo suelto, tocado por un sombrero (inspirado en los de paja de los campesinos de la Toscana) y calzado con una especie de sandalias que, junto con el sombrero rompen un poco el tratamiento formal de casi “sfumato” del cuerpo, contrastando plásticamente con él.<o:p></o:p></span></span></p> <p class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><span style="color:#3C3C3C"><span class="Apple-style-span" >El tema del David es muy querido en el Renacimiento, ya que entre otras muchas lecturas, si se interpreta en clave neoplatónica hay que entenderlo como el triunfo de la inteligencia frente a la fuerza bruta representada por el gigante. Claro que hay autores que ven en esta representación una clara alusión a la victoria de Florencia sobre Milán al representar al joven vencedor ataviado con un sombrero típicamente florentino y al mostrar la espada de Goliat, que también simboliza a Milán. La inscripción que acompaña a la escultura refuerza esta tesis. Simboliza además perfectamente lo que signific</span>a el Renacimiento, es decir la reinterpretación del mundo clásico antiguo bajo un punto de vista cristiano.<o:p></o:p></span></span></p> <p class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-76555620922444004232011-05-24T18:38:00.002+02:002011-10-11T21:00:20.562+02:00Atenea Parthenos, escultura.<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8XN1r2m5RS7y0nB7qR350-f_PBVb1flkrs0gjMsIvb3h3ra1GHqEIB9zmK16nWNUNU14jCKXkT1uN6O071vpOGKlvP-5VRG3ulRyKxTYaFq-WTiKODnMLzUUVPm6VIN6x1Z9HvclQeaXw/s1600/escultura+grecia+atenea+partenos.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="float:left; margin:0 10px 10px 0;cursor:pointer; cursor:hand;width: 167px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8XN1r2m5RS7y0nB7qR350-f_PBVb1flkrs0gjMsIvb3h3ra1GHqEIB9zmK16nWNUNU14jCKXkT1uN6O071vpOGKlvP-5VRG3ulRyKxTYaFq-WTiKODnMLzUUVPm6VIN6x1Z9HvclQeaXw/s320/escultura+grecia+atenea+partenos.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5610323355305942146" /></a><br /><p class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><b><i><span style="font-size: 10.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">Atenea Partenos </span></i></b></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">es el nombre de una enorme</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">escultura</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">crisoelefantina</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">de la diosa</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">griega</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">Atenea, obra de</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">Fidias. Recibía su nombre de un epíteto de la propia diosa, y estaba alojada en el</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">Partenón, en la</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">Acrópolis de Atenas. Se han realizado diversas réplicas y obras inspiradas en ella, tanto antiguas como modernas.<o:p></o:p></span></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">La cabeza de Atenea aparece ligeramente inclinada hacia adelante. Está de pie con su mano izquierda posada sobre un escudo vertical. Su rodilla izquierda está ligeramente doblada, su peso desplazado levemente hacia su pierna derecha. Su</span><span style="font-size:10.0pt; mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-fareast-language: ES"> quitón </span><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; color:black;mso-fareast-language:ES">está ajustado en la cintura por un par de</span><span style="font-size:10.0pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES"> </span><span style="font-size:10.0pt;mso-bidi-font-size: 11.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";mso-fareast-language:ES">serpientes</span><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-fareast-language: ES">, cuyas colas se entrelazan en la espalda. Los mechones del pelo caen sobre el peto de la diosa. La Niké de su mano derecha extendida es alada: se ha discutido mucho sobre si había un soporte bajo el original de Fidias, siendo contradictorias las versiones conservadas. La posición exacta de una lanza, a menudo omitida, no se ha determinado completamente, si estaba en el brazo derecho de Atenea o sostenida por una de las serpientes de la</span><span style="font-size:10.0pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES"> égida </span><span style="font-size:10.0pt; line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; color:black;mso-fareast-language:ES"><span style="mso-spacerun:yes"> </span>tal y como N. Leipen la restauró, siguiendo la gema</span><span style="font-size: 10.0pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-fareast-language: ES"> </span><i><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">Aspasios</span></i><span style="font-size:10.0pt; line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; color:black;mso-fareast-language:ES">.</span><span style="font-size:10.0pt; line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">La escultura fue montada sobre un núcleo de madera, cubierto con placas de bronce moldeadas y recubiertas a su vez con láminas de oro desmontables, salvo en las superficies de marfil de la cara y los brazos de la diosa. El oro pesaba 44</span><span style="font-size:10.0pt;mso-bidi-font-size: 11.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES"> talentos</span><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-fareast-language: ES">, el equivalente de unos 1140 kg: la</span><span style="font-size: 10.0pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-fareast-language: ES"> </span><i><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">Atenea Partenos</span></i><span style="font-size:10.0pt; mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-fareast-language: ES"> </span><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">suponía una parte considerable del tesoro de Atenas.</span><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">El coste debió estar cerca de los 700 talentos, la misma cantidad que una flota de 230</span><span style="font-size:10.0pt; mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-fareast-language: ES"> trirremes.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">La obra original de Fidias tenía unas dimensiones que alcanzaban los 26 codos de altura (12 m aproximadamente, comprendido el pedestal, de 1,50 m de alto).</span><span style="font-size:10.0pt; line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family: "Arial","sans-serif";color:black"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family: "Arial","sans-serif";color:black">Fue la<span class="apple-converted-space"> </span>imagen de culto<span class="apple-converted-space"> </span>más renombrada de<span class="apple-converted-space"> </span>Atenas,<span class="apple-converted-space"> </span>considerada uno de los mayores logros del escultor más aclamado de la antigua Grecia. Fidias empezó su obra alrededor del<span class="apple-converted-space"> </span>447 a. C., Lacares<span class="apple-converted-space"> </span>retiró las láminas de oro en el<span class="apple-converted-space"> </span>296 a. C.<span class="apple-converted-space"> </span>para pagar a sus tropas, y el bronce fue probablemente dorado más tarde. Resultó dañada por un incendio hacia el<span class="apple-converted-space"> </span>165 a. C., pero fue reparada.<span class="apple-converted-space"> </span>Continuaba estando en el Partenón en el<span class="apple-converted-space"> </span>siglo V, cuando pudo haberse perdido en otro incendio. Un relato la menciona, sin embargo, en<span class="apple-converted-space"> </span>Constantinopla<span class="apple-converted-space"> </span>en el<span class="apple-converted-space"> </span>siglo X. La obra tuvo un gran impacto entre sus contemporáneos, hasta el punto de que dio origen a una tradición de estatuas crisoelefantinas, en la cual encontramos comprometido de nuevo a Fidias, con la<span class="apple-converted-space"> </span>estatua de Zeus en Olimpia, y a otros escultores, en los santuarios de los siglos<span class="apple-converted-space"> </span>V y<span class="apple-converted-space"> </span>IV a. C.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-66103838738478722011-05-24T18:35:00.001+02:002011-10-11T21:00:20.555+02:00El Propileo , arquitectura.<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhNfmwqqBKztFOTzW63ieMDkBZsj1_8pdHu6i636pyydSLS28zLMen3jufD8Y8Z5c_4RGUgThZoBHTJEus6KEhYMj7fmedoXaeh1K4bbHyaxp-5MzQSTknBuLBhzYcc1AoPCy1tm7x7WY-/s1600/gracia+los+propileoa+arquitectura.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 237px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhNfmwqqBKztFOTzW63ieMDkBZsj1_8pdHu6i636pyydSLS28zLMen3jufD8Y8Z5c_4RGUgThZoBHTJEus6KEhYMj7fmedoXaeh1K4bbHyaxp-5MzQSTknBuLBhzYcc1AoPCy1tm7x7WY-/s320/gracia+los+propileoa+arquitectura.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5610322651478742450" /></a><br /><p style="margin:0cm;margin-bottom:.0001pt;line-height:11.25pt"><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:#444444">La imagen que vemos a continuación corresponde con El Propileo de Grecia.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin:0cm;margin-bottom:.0001pt;line-height:11.25pt"><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:#444444"><o:p> </o:p></span></p> <p style="margin:0cm;margin-bottom:.0001pt;line-height:11.25pt"><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:#444444">Como a la mayoría de los recintos griegos, a la parte central de la<span class="apple-converted-space"> </span><strong><span style="font-family:"Calibri","sans-serif"; mso-ascii-theme-font:minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin">Acrópolis</span></strong><span class="apple-converted-space"> </span>se entra atravesando una construcción externa que oficia de pórtico que prepara para la posterior visita de los templos. Se trata del<span class="apple-converted-space"><b> </b></span><em><b><span style="font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font:minor-latin; mso-hansi-theme-font:minor-latin">propileo</span></b></em>, y aquí nos encontramos con uno que fue construido nada menos que en tiempos de Pericles según un proyecto de Mnesicles entre los años<span class="apple-converted-space"> </span><strong><span style="font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font:minor-latin; mso-hansi-theme-font:minor-latin">437 y 432 a.C.</span></strong><o:p></o:p></span></p> <p style="margin:0cm;margin-bottom:.0001pt;line-height:11.25pt"><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:#444444">Este propileo forma una entrada realmente colosal de 13,12 x 25,04 metros y está formado por<span class="apple-converted-space"> </span><strong><span style="font-family:"Calibri","sans-serif"; mso-ascii-theme-font:minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin">seis columnas dóricas</span></strong><span class="apple-converted-space"><b> </b></span>de casi nueve metros de alto. Las paredes están formadas por sillares almohadillados y su interior está dividido en dos vestíbulos separados por una pared en la que se abren cinco puertas. Lo llamativo es que las columnas son, de la cara externa absolutamente rectas, y de la cara interna son curvas lo que ayuda a crear un efecto óptico de paralelismo en ambos lados de ellas. <span class="apple-style-span">Si nos acercamos al ala sur veremos que hay un pequeño pórtico con tres columnas dóricas. Este espacio se usaba en particular como propileo al</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">templo de</span></span><span class="apple-converted-space"><b><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif"; mso-ascii-theme-font:minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:#040382"> </span></b></span><strong><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:#444444">Atenea Niké, </span></strong><span class="apple-style-span"><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif"; mso-ascii-theme-font:minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:#444444">siendo la parte norte la más grande de todas y conociéndose como</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif"; mso-ascii-theme-font:minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:#444444"> </span></span><em><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:#444444">pinacoteca</span></em><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif"; mso-ascii-theme-font:minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:#444444"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif"; mso-ascii-theme-font:minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:#444444">ya que aquí estaban los cuadros de Polignoto. Lamentablemente esta construcción nunca se terminó ya que el gasto era mucho según los sacerdotes así que el edificio se terminó aquí.</span></span><span style="font-size:11.0pt; font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font:minor-latin;mso-hansi-theme-font: minor-latin;color:#444444"><o:p></o:p></span></p> <p style="margin:0cm;margin-bottom:.0001pt;line-height:12.75pt"><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial; color:#3A3A38"><o:p> </o:p></span></p> <p style="margin:0cm;margin-bottom:.0001pt;line-height:11.25pt"><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;color:#444444">Esta arquitectura se adapta a los desniveles del suelo y la diversidad de edificios.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin:0cm;margin-bottom:.0001pt;line-height:12.75pt"><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial; color:#3A3A38">Durante la construcción, tuvo que superar la enorme dificultad del desnivel de la colina. Para ello el cuerpo central de los nuevos propileos se situó donde la ruptura de la pendiente era más acentuada sobre una plataforma de cinco escalones que compensaban el desnivel.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin:0cm;margin-bottom:.0001pt;line-height:12.75pt"><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial; color:#3A3A38">El arquitecto se inspiró en el<span class="apple-converted-space"> </span><strong><span style="font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font:minor-latin; mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial">Partenón</span></strong>, lo que explica los pórticos de los lados en estilo dórico. El techo lo hicieron con mármol azul y fue reforzado con una técnica nueva: el uso de barras metálicas.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin:0cm;margin-bottom:.0001pt;line-height:12.75pt"><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial; color:#3A3A38">Flanqueando la escalinata de acceso, se encuentra una plataforma sobre la que se levanta el<span class="apple-converted-space"> </span><strong><span style="font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font:minor-latin; mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial">templo de Atenea Niké</span></strong>, o Atenea Victoriosa. Esta construcción conmemora la victoria de los griegos sobre los persas en la batalla de Salamina. Si bien la idea surgió tras la paz con los persas en el 449 AC, no se construyó hasta el 421 AC por la oposición de Pericles al proyecto.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin:0cm;margin-bottom:.0001pt;line-height:12.75pt"><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial; color:black">Los Propileos, como los otros monumentos atenienses tuvieron una historia agitada. Han sido sucesivamente palacio episcopal, residencia de los duques francos de Atenas, palacio florentino y depósito de armas turco.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin:0cm;margin-bottom:.0001pt;line-height:12.75pt"><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial; color:black">La estructura fue destruida en gran parte en el </span><span style="font-size:11.0pt;font-family:"Calibri","sans-serif";mso-ascii-theme-font: minor-latin;mso-hansi-theme-font:minor-latin;mso-bidi-font-family:Arial">siglo XVII<span style="color:black"> como consecuencia de la explosión de un depósito de </span>pólvora.<u><span style="color:#0645AD"> </span></u><span style="color:#3A3A38"><o:p></o:p></span></span></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-27471332671087213362011-05-22T11:21:00.004+02:002011-05-27T11:28:06.731+02:00Desayuno sobre la Hierba<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmruAU7uR6r4xswGZgzg327euzPZQnQvEEoVsmfo1cu02Oj7BX0HJ0LYTbqqihWRDcXVyf9fw4QuXE_WthcNBuCK5TjbDILDxsuzLqXUhUubuRi8l3Wf6yvT8CdKEo3zuutruQaUyD910G/s1600/002+Dejeuner+sur+l+herbe.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 320px; DISPLAY: block; HEIGHT: 247px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5609468311991773538" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmruAU7uR6r4xswGZgzg327euzPZQnQvEEoVsmfo1cu02Oj7BX0HJ0LYTbqqihWRDcXVyf9fw4QuXE_WthcNBuCK5TjbDILDxsuzLqXUhUubuRi8l3Wf6yvT8CdKEo3zuutruQaUyD910G/s320/002+Dejeuner+sur+l+herbe.jpg" /></a><br /><br /><br /><p>En 1863, Manet<a href="http://mundoarte.portalmundos.com/edouard-manet/"> </a>presenta en el Salón de Otoño de París esta obra, cuyo título original era “El Baño”. La obra es rechazada, creando, no obstante, una gran polémica en torno a ella. Sin embargo esta obra, junto con otras muchas que tampoco tuvieron la aprobación del jurado, fueron expuestas en el recién creado Salón de los Rechazados, cuya exposición obtuvo un sonado éxito.</p><br /><br /><br /><p>Fue el mismo Napoleón III quién decidió la creación de este segundo salón para que el público tuviera la opción de opinar por sí mismo, acerca de las obras rechazadas por el Salón de otoño. Manet llevó a exponer en este salón tres lienzos, “Hombre joven vestido de majo”, “La señorita Victorino en traje de espada” y por último, “El almuerzo campestre”. Todos fueron rechazados, siendo el último el que provocó mayores críticas, pues se le acusó de falta de técnica y falta de moral, al exponer un escandaloso desnudo ante tan refinado público. Aún así existió otro sector que sí supo apreciar esta magnífica obra de Manet, fueron los artistas más jóvenes, que más tarde se les conocería como los Impresionistas. Estos veían en el lienzo un alarde de vanguardia, y tomaron el lienzo como un punto de partida, realizando su obra tras las pautas instauradas por Manet.</p><br /><br /><br /><p>“El Baño”, cuyo título se modificó cuatro años más tarde, representa un momento del artista donde está rompiendo con el academicismo para dar paso a la originalidad y vanguardia, aspecto que dominará sus años posteriores. En cuanto a la obra, fue rechazada por la falta de comprensión por parte del jurado, quienes vieron en el lienzo, una relación inmoral entre dos señores y una prostituta, pues así identificaron a los personajes. Sin embargo, Manet había partido de las obras clásicas para realizar este trabajo, muy lejos de las provocaciones que quisieron ver el público. </p><br /><br /><br /><p>En cuanto al origen de la idea, parece ser que el artista se vio inspirado por una visión de un baño en el río parisino durante una estancia en Argenteuil. Dio forma a la idea dentro de su estudio, tomando como modelo para la protagonista a Victorine Meurant, la favorita del pintor, acompañándola del escultor holandés Ferdinand Leenhoff y de su propio hermano, Gustave. Los tres aparecen en el centro del lienzo enmarcados por un bello paisaje donde se vislumbra, al fondo, el Sena. Junto al río aparece otra mujer medio desnuda dándose un baño. En cuanto al grupo protagonista, en primer lugar observamos a la mujer pintada desnuda, que mira desafiante al espectador, sentada junto a uno de los personajes masculinos, y situada frente al segundo hombre representado. La blanca e inmaculada desnudez de la fémina contrasta violentamente con la vestimenta de los hombres. En la esquina inferior izquierda aparece, a modo de pequeña naturaleza muerta, las ropas de la muchacha junto a una cesta de frutas. Es el contraste de esta mujer desnuda junto a sus compañeros vestidos lo que más polémica levantó. La pregunta que nos hacemos es por qué tanto alboroto cuando los espectadores estaban acostumbrados a observar en la pintura desnudos femeninos. La respuesta la da el mismo cuadro, pues hasta el momento estos desnudos habían aparecido en la pintura de manera idealizada, cargados de simbolismo, con un significado explícito. Sin embargo ahora, se ha utilizado sin ningún fin aparente, la mujer desnuda es una modelo conocida, que esta representada como una señora normal, no es una diosa, ni un personaje mitológico.</p><br /><br /><br /><p>La polémica la crea esta misma actitud desafiante de la mujer mirando atrevidamente al público, y sobre todo se debe a su identificación con un personaje real. De este modo el espectador, se ha convertido en voyeur pues debe observar el desnudo como lo que es, el cuerpo de una mujer en todo su esplendor, el cual podría pertenecer a cualquiera de su entorno. Esta sensación trasladada al público es lo que lleva a rechazar la obra, pues atenta contra los principios morales de la sociedad, y coloca al que lo observa en una situación embarazosa frente al cuadro. Pero la polémica suscitada no sólo partía de este novedoso tratamiento del desnudo, también influyeron las nuevas formas utilizadas por el pintor, a la hora de realizar su obra. En primer lugar, el uso de los colores sorprende por el contraste lumínico, el negro de los trajes frente al blanco puro del cuerpo de Victorine. Parte de los colores puros, y los envuelve en una ambiente cargado de tonalidades, marcando así los focos importantes y concentrando la visión en los contrastes. Este resaltado uso del negro era una de las razones por la que los académicos rechazaban las obras de Manet, pues era un color poco aconsejado y utilizado, dentro del arte realizado por el entorno academicista.</p><br /><br /><br /><p>En el fondo del lienzo utiliza una técnica novedosa, que dota a la obra de verdadera modernidad, aboceta las formas consiguiendo así la profundidad y la sensación de que el aire envuelve la escena, así los personajes aparecen como parte inherente del ambiente. No obstante esta fórmula no es tan original como aparenta, pues está poniendo en práctica aquello que ha aprendido de su artista mas admirado, Velázquez.<br /></p><br /><br /><p>Finalmente, decir que con esta obra Manet se situó dentro de la vanguardia cultural, dando pie a una nueva época tanto social como artística. Con su lienzo desafío al arte académico, provocó al público, pero también demostró gran calidad técnica, gran dominio del color y del dibujo, y sobre todo, un enorme respeto a los grandes clásicos de la pintura, que tuvieron en él un digno predecesor.<br /></p><br /><br /><br /><div></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-81040358908011010202011-05-22T11:08:00.004+02:002011-05-27T11:28:06.732+02:00Nenúfares<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWzilGUMSALIPFojupK4_rCm-U0b0GBeBRZwBs8wX0PFyGeV36S1Hbc63W-gKfZvD4zjChzlO63IyFAvlwg667v0cfKthjbt2tUVFdbTDuAPF2wVr_oIwZtqK9tt3YLdP816L7HqBHpjz9/s1600/034+Nenufares.JPG"><img style="MARGIN: 0px 10px 10px 0px; WIDTH: 320px; FLOAT: left; HEIGHT: 312px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5609465051346216866" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWzilGUMSALIPFojupK4_rCm-U0b0GBeBRZwBs8wX0PFyGeV36S1Hbc63W-gKfZvD4zjChzlO63IyFAvlwg667v0cfKthjbt2tUVFdbTDuAPF2wVr_oIwZtqK9tt3YLdP816L7HqBHpjz9/s320/034+Nenufares.JPG" /></a> <span style="font-family:Arial;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><span class="Apple-style-span" style="color:#990000;"><span style="font-family:arial;color:#000000;">Monet empieza a pintar su jardín acuático a partir de 1895 y lo continuó haciendo hasta su muerte ya que siempre cambiaba por el agregado de nuevas plantas y lo densa de la vegetación y también debido a sus numerosos viajes.<br /><br />Su pasión por las series de nenúfares y ninfeas suman más de 200 cuadros, formando algo así como una obra de arte integral, dentro del resto de sus cuantiosos cuadros.<br /><br />Marcel Proust se sintió fascinado al contemplar el lírico espectáculo de los nenúfares y expresó:”… flores de tierra y también flores de agua, estos tiernos nenúfares que el Maestro ha pintado en lienzos sublimes…son como un primer y delicioso esbozo de vida…”<br /><br />En 1900, sigue pintando pero un accidente le hace perder la vista temporalmente de un ojo. En 1904, en una muestra en la galería de Durand - Ruel, expone sus obras de temas londinenses.<br /><br />La percepción de los colores se altera, su vista se va deteriorando poco a poco, tal vez debido a que tiene cataratas, efectivamente en sus últimos años llega a resultados decididamente abstractos. El color se muestra con mucho cuerpo sobre la superficie del lienzo, se ven salir grumos de pigmento y pinceladas del soporte del cuadro.<br /><br />Monet parece descubrir la pura materia que constituye la esencia de las cosas, avanzando más allá de las posibilidades de la visión humana.</span></span></span></span><br /><span style="font-family:Arial;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><span class="Apple-style-span" style="color:#990000;"><span style="color:#000000;">Los nenúfares es un ciclo de pintura al óleo que ejecutó el pintor francés Claude Monet al final de su vida,sobre amplios paneles, como el de la ilustración, que actualmente se exhibe en el Museo De Orangerie de las Tullerías, en París,Francia.</span></span></span></span><br /><span style="font-family:Arial;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><span class="Apple-style-span" style="color:#990000;"><span style="color:#000000;">Estos inmensos paneles representan un lago de nenúfares.</span></span></span></span><br /><br /><br /><br /><p style="LINE-HEIGHT: 18pt; MARGIN: 4.8pt 0cm 6pt"><span style="font-family:Arial;"><span class="Apple-style-span" style="font-size:medium;"><span class="Apple-style-span" style="color:#990000;"><span style="font-family:arial;"><span style="color:#000000;">Monet los pintó para que quedaran suspendidos en círculo (dentro de una estancia circular) así sería como si fuera un día que transcurría o bien siendo las cuatro estaciones que se descubrían.<?XML:NAMESPACE PREFIX = O /><o:p></o:p></span></span></span></span></span></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-73840650720917119082011-05-21T00:08:00.001+02:002011-05-27T11:28:36.493+02:00Guernica, Pablo Picasso<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisxS6Vf5jZubCM3bJ-ZVDMhz2BvvrEYzdMparzsnSUFS0effk40xikZt_4TgbiAvkQ8k_-frtiYCRPssnZ-FlUnYy5mVMT4gaGLNeBSkMPGOMAUiUFalVCZ9VBsEvYNo_GgW05LfsmLFA/s1600/620+guernica.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="float:left; margin:0 10px 10px 0;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 146px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisxS6Vf5jZubCM3bJ-ZVDMhz2BvvrEYzdMparzsnSUFS0effk40xikZt_4TgbiAvkQ8k_-frtiYCRPssnZ-FlUnYy5mVMT4gaGLNeBSkMPGOMAUiUFalVCZ9VBsEvYNo_GgW05LfsmLFA/s320/620+guernica.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5608926045315931298" /></a><br /><p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><b><i><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Guernica</span></i></b><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">es un famoso cuadro de<span class="apple-converted-space"> </span>Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de<span class="apple-converted-space"> </span>1937, cuyo título alude al<span class="apple-converted-space"> </span>bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la<span class="apple-converted-space"> </span>Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Gobierno de la<span class="apple-converted-space"> </span>República Española<span class="apple-converted-space"> </span>para ser expuesto en el pabellón español durante la<span class="apple-converted-space"> </span>Exposición Internacional de 1937 en<span class="apple-converted-space"> </span>París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">En la<span class="apple-converted-space"> </span>década de 1940, puesto que en España se había instaurado el régimen dictatorial del general<span class="apple-converted-space"> </span>Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el<span class="apple-converted-space"> </span>Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. En<span class="apple-converted-space"> </span>1981<span class="apple-converted-space"> </span>la obra llegó finalmente a España. Se expuso al público primero en el<span class="apple-converted-space"> </span>Casón del Buen Retiro, y luego, desde<span class="apple-converted-space"> </span>1992, en el<span class="apple-converted-space"> </span>Museo Reina Sofía<span class="apple-converted-space"> </span>de<span class="apple-converted-space"> </span>Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Su interpretación es objeto de polémica, pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico "icono del siglo XX", símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra infringe a los seres humanos.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">El <i>Guernica</i> es un óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 3,50 x 7,80 m.</span><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES"> A pesar de su título, y de las circunstancias en que fue realizado, no hay en él ninguna referencia concreta al </span><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-themecolor:text1; mso-fareast-language:ES">bombardeo de Guernica</span><span style="font-size: 10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; color:black;mso-fareast-language:ES"> ni a la </span><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Guerra_Civil_Espa%C3%B1ola" title="Guerra Civil Española"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-themecolor:text1; mso-fareast-language:ES;text-decoration:none;text-underline:none">Guerra Civil Española</span></a><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-themecolor:text1; mso-fareast-language:ES">. </span><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES"> No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simbólico.</span><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">La estructura del cuadro es semejante a la de un </span><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-themecolor:text1;mso-fareast-language:ES">tríptico</span><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">, cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el <i>Guernica</i>. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara</span><span style="font-size: 10pt; font-family: Arial, sans-serif; "><span class="Apple-style-span" >.</span></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">En el cuadro aparecen representados nueve símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma). De izquierda a derecha, los personajes son los siguientes:<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="mso-margin-top-alt:auto;margin-bottom:1.2pt; margin-left:18.0pt;text-indent:-18.0pt;line-height:18.0pt;mso-list:l5 level1 lfo1; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span style="font-size:10.0pt; font-family:Wingdings;mso-fareast-font-family:Wingdings;mso-bidi-font-family: Wingdings;color:black;mso-fareast-language:ES"><span style="mso-list:Ignore">§<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">Toro</span></b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">. Aparece en la izquierda del cuadro, con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Éste voltea y parece mostrarse aturdido ante lo que ocurre a su alrededor. Al ser preguntado sobre el simbolismo del toro, Picasso indicó que simbolizaba "brutalidad y oscuridad". Se ha indicado también que la figura del toro, como en otros cuadros anteriores de Picasso (como la <i>Minotauromaquia</i> de 1935), puede ser, en cierto modo, un autorretrato del propio artista.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="mso-margin-top-alt:auto;margin-bottom:1.2pt; margin-left:18.0pt;text-indent:-18.0pt;line-height:18.0pt;mso-list:l1 level1 lfo2; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span style="font-size:10.0pt; font-family:Wingdings;mso-fareast-font-family:Wingdings;mso-bidi-font-family: Wingdings;color:black;mso-fareast-language:ES"><span style="mso-list:Ignore">§<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">Madre con hijo muerto</span></b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">. Se sitúa bajo el toro, como protegida por él, con la cara vuelta hacia el cielo en un ademán o grito de dolor. Su lengua es afilada como un estilete y sus ojos tienen forma de lágrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya muerto. Los ojos del niño carecen de pupilas, ya que está muerto. El modelo iconográfico de esta figura es, según los críticos, la "</span><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-themecolor:text1; mso-fareast-language:ES">Pietà</span><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">",esto es, la representación, habitual en el arte cristiano, de la</span><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-themecolor:text1; mso-fareast-language:ES"> </span><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Virgen_Mar%C3%ADa" title="Virgen María"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-themecolor:text1;mso-fareast-language:ES; text-decoration:none;text-underline:none">Virgen María</span></a><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES"> sosteniendo en sus brazos a su hijo muerto. Según la muy discutida interpretación de Juan Larrea, el grupo madre-hijo simbolizaría a la ciudad de Madrid, sitiada por las tropas de Franco.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="mso-margin-top-alt:auto;margin-bottom:1.2pt; margin-left:18.0pt;text-indent:-18.0pt;line-height:18.0pt;mso-list:l8 level1 lfo3; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span style="font-size:10.0pt; font-family:Wingdings;mso-fareast-font-family:Wingdings;mso-bidi-font-family: Wingdings;color:black;mso-fareast-language:ES"><span style="mso-list:Ignore">§<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">Paloma</span></b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">. Situada entre el toro y el caballo, a la altura de sus cabezas, no resulta visible a simple vista, pues, excepto por una franja de color blanco, es del mismo color que el fondo y únicamente está trazada su silueta. Tiene un ala caída y la cabeza vuelta hacia arriba, con el pico abierto. Generalmente se ha considerado un símbolo de la paz rota.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="mso-margin-top-alt:auto;margin-bottom:1.2pt; margin-left:18.0pt;text-indent:-18.0pt;line-height:18.0pt;mso-list:l4 level1 lfo4; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span style="font-size:10.0pt; font-family:Wingdings;mso-fareast-font-family:Wingdings;mso-bidi-font-family: Wingdings;color:black;mso-fareast-language:ES"><span style="mso-list:Ignore">§<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">Guerrero muerto</span></b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">. En realidad, sólo aparecen los restos de la cabeza, brazo completo o antebrazo derecho y antebrazo izquierdo. Un brazo tiene la mano extendida. El otro brazo sostiene una espada rota y una flor, que puede interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="mso-margin-top-alt:auto;margin-bottom:1.2pt; margin-left:18.0pt;text-indent:-18.0pt;line-height:18.0pt;mso-list:l6 level1 lfo5; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span style="font-size:10.0pt; font-family:Wingdings;mso-fareast-font-family:Wingdings;mso-bidi-font-family: Wingdings;color:black;mso-fareast-language:ES"><span style="mso-list:Ignore">§<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">Bombilla</span></b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">. Es una de las imágenes que más intriga despierta, imagen ubicada en el centro del cuadro. Se puede relacionar el símbolo <i>bombilla</i> con <i>bomba</i>. Se ha dicho que ésta simboliza el avance científico y electrónico que se convierte en una forma de avance social pero al mismo tiempo en una forma de destrucción masiva en las guerras modernas. El bombardeo de Guernica pudo ser una prueba de esta tecnología.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="mso-margin-top-alt:auto;margin-bottom:1.2pt; margin-left:18.0pt;text-indent:-18.0pt;line-height:18.0pt;mso-list:l3 level1 lfo6; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span style="font-size:10.0pt; font-family:Wingdings;mso-fareast-font-family:Wingdings;mso-bidi-font-family: Wingdings;color:black;mso-fareast-language:ES"><span style="mso-list:Ignore">§<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">Caballo</span></b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">. Ocupa el centro de la composición. Su cuerpo está hacia la derecha, pero su cabeza, igual que la del toro, se vuelve hacia la izquierda. Adelanta una de las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse. En su costado se abre una herida vertical y está, además, atravesado por una lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de donde sobresale la lengua, terminada en punta. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas, de color blanco, y el resto de su cuerpo está recubierto por pequeños trazos.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="mso-margin-top-alt:auto;margin-bottom:1.2pt; margin-left:18.0pt;text-indent:-18.0pt;line-height:18.0pt;mso-list:l7 level1 lfo7; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span style="font-size:10.0pt; font-family:Wingdings;mso-fareast-font-family:Wingdings;mso-bidi-font-family: Wingdings;color:black;mso-fareast-language:ES"><span style="mso-list:Ignore">§<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">Mujer arrodillada</span></b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">. Otra versión es que la mujer está herida y se acerca a la yegua para descansar de sus heridas. La pierna de la mujer que camina hacia el centro está visiblemente dislocada o cortada, con una hemorragia que trata de frenar inútilmente con su mano derecha, por lo que lleva la pierna arrastrada y ya medio muerta.</span><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">Tal descripción es reforzada por la coloración blanquecina del pie que arrastra en comparación al otro que conserva un color más fuerte, y también comparándolo con los desmembrados miembros del soldado, que yacen con la misma coloración significando probablemente la pérdida de sangre. La hemorragia de alguna manera se puede deducir en un sombreado oscuro que parece justo en la articulación dislocada de la pierna de la mujer.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="mso-margin-top-alt:auto;margin-bottom:1.2pt; margin-left:18.0pt;text-indent:-18.0pt;line-height:18.0pt;mso-list:l2 level1 lfo8; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span style="font-size:10.0pt; font-family:Wingdings;mso-fareast-font-family:Wingdings;mso-bidi-font-family: Wingdings;color:black;mso-fareast-language:ES"><span style="mso-list:Ignore">§<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">Mujer del quinqué</span></b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República. Tiene su otra mano aprisionándose el pecho justo entre sus dos senos, que salen a relucir a través de la ventana.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="mso-margin-top-alt:auto;margin-bottom:1.2pt; margin-left:18.0pt;text-indent:-18.0pt;line-height:18.0pt;mso-list:l0 level1 lfo9; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span style="font-size:10.0pt; font-family:Wingdings;mso-fareast-font-family:Wingdings;mso-bidi-font-family: Wingdings;color:black;mso-fareast-language:ES"><span style="mso-list:Ignore">§<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">Casa en llamas</span></b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">. Además, Picasso logra resaltar la expresividad en la configuración de cada uno de los detalles de sus personajes a través de simples líneas.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="mso-margin-top-alt:auto;margin-bottom:1.2pt; margin-left:18.0pt;text-indent:-18.0pt;line-height:18.0pt;mso-list:l0 level1 lfo9; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span style="font-size:10.0pt; font-family:Wingdings;mso-fareast-font-family:Wingdings;mso-bidi-font-family: Wingdings;color:black;mso-fareast-language:ES"><span style="mso-list:Ignore">§<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">Hombre implorando</span></b><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">. Un hombre mirando al cielo como rogando a los aviones que dejen de bombardear, está inspirado en el cuadro de Goya: "</span><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-themecolor:text1; mso-fareast-language:ES">Los fusilamientos del tres de mayo</span><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family: "Times New Roman";color:black;mso-fareast-language:ES">". Es la forma artística de decir "basta de guerras".<o:p></o:p></span></p>Unknownnoreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-22156245639250981812011-05-20T23:52:00.001+02:002011-05-27T11:28:36.494+02:00La casita de la cascada<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyMk578CHxTU5AE8MGwgNBHvPIg7lX1zmvwRhcYiY_CmbotJG-HlfHaUL9hfE6kN0oW_ZROJ5fh3_O25LT3fxRaH8KKnsxyQ_bDnzTYU_3tVBan5iKGppY351UpiYX1bKaiQ9MuSGm8Lc/s1600/020+casa+de+la+cascada.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="float:left; margin:0 10px 10px 0;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 240px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyMk578CHxTU5AE8MGwgNBHvPIg7lX1zmvwRhcYiY_CmbotJG-HlfHaUL9hfE6kN0oW_ZROJ5fh3_O25LT3fxRaH8KKnsxyQ_bDnzTYU_3tVBan5iKGppY351UpiYX1bKaiQ9MuSGm8Lc/s320/020+casa+de+la+cascada.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5608920478704205410" /></a><br /><p class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt; line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">La</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><b><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">casa de la Cascada</span></b></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">(en</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">inglés</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><i><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">Fallingwater</span></i></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Arial","sans-serif";color:black">) es una obra del arquitecto estadounidense</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span style="font-size:10.0pt;line-height: 115%;font-family:"Arial","sans-serif"">Frank Lloyd Wright<span class="apple-converted-space"><span style="color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="color:black">y una de los hitos principales de la arquitectura del</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="color:black"> </span></span>siglo XX<span class="apple-style-span"><span style="color:black;mso-themecolor:text1">.</span><span style="color:black"><o:p></o:p></span></span></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;mso-bidi-font-size: 11.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; color:black;mso-themecolor:text1;mso-fareast-language:ES">Edgar J. Kaufmann </span><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-fareast-language: ES">era un hombre de negocios de Pittsburgh y un fundador de los “Grandes Almacenes Kaufmann”. Su hijo, Edgar Kaufmann Júnior, estudió arquitectura durante un corto periodo de tiempo en la escuela-residencia Taliesin de Wright, un lugar en que el arquitecto enseñó a grupos reducidos durante una época en la que no disfrutaba una gran demanda de proyectos. Los Kaufmann compraron una parcela boscosa fuera de Pittsburgh con una cascada del arroyo del Oso y algunas cabañas de madera. Cuando las cabañas de su finca se deterioraron tanto que tuvieron que ser reconstruidas, el señor Kaufmann entró en contacto con Wright. Inicialmente, los Kaufmann asumieron que Wright diseñaría una casa con vistas a la cascada.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;mso-bidi-font-size: 11.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; color:black;mso-themecolor:text1;mso-fareast-language:ES">Frank Lloyd Wright</span><span style="font-size:10.0pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-fareast-language: ES"> </span><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-fareast-language: ES">pidió un estudio topográfico del área alrededor de la cascada, que fue realizado por la Compañía Fayette Engineering de Uniontown, e incluyó todas las rocas, árboles y curvas de nivel. Posteriormente, Wright creó un nuevo mapa en que precisaba el diámetro de los troncos de los árboles y la especie a la que pertenecían. Cuando Wright comunicó que la casa iba a estar sobre la cascada la familia se negó en un primer momento, aunque después el arquitecto les convenció de que esa era la mejor opción. La Casa de la Cascada se convirtió en la casa de los fines de semana para la familia </span><span style="font-size:10.0pt; font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; color:black;mso-themecolor:text1;mso-fareast-language:ES">desde</span><span style="font-size:10.0pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-themecolor:text1; mso-fareast-language:ES"> 1937 </span><span style="font-size:10.0pt; font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; color:black;mso-themecolor:text1;mso-fareast-language:ES">a</span><span style="font-size:10.0pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-themecolor:text1; mso-fareast-language:ES"> 1963</span><span style="font-size:10.0pt; font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; color:black;mso-fareast-language:ES">. Cuando el matrimonio Kaufmann murió, el hijo vendió la Casa de la Cascada a la Fundación Frank Lloyd Wright porque se vio incapaz de afrontar los elevados impuestos que el edificio imponía. Desde</span><span style="font-size:10.0pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-themecolor:text1; mso-fareast-language:ES"> 1964</span><span style="font-size:10.0pt; font-family:"Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman"; color:black;mso-fareast-language:ES">, año en que se abrió al público, la Casa de la Cascada ha recibido casi cuatro millones de visitas (datos de julio de 2006).</span><span style="font-size:9.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black;mso-fareast-language: ES"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">El terreno en el que se ubica la casa tiene abundancia de rocas a nivel del suelo, las cuales sirvieron de cimentación del edificio. La zona tiene un relieve ligeramente accidentado, un bosque de árboles caducifolios que se mantiene prácticamente virgen ya que solo un camino peatonal conduce a la casa, y el arroyo del Oso, en el cual está la cascada de la casa. Del terreno del lugar se extrajeron rocas que conforman mamposterías de la parte baja de las fachadas del edificio, colocadas en ese lugar para crear una progresión desde la roca natural del suelo hasta el hormigón de las partes altas. El resto de las fachadas es de color crema, color contrastante con el entorno verde o marrón (según la estación). Otro elemento contrastante de la casa son las formas ortogonales que tienen los voladizos y las paredes, imponiéndose así la casa como “arquitectura”.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">El edificio guarda una relación con el entorno que llega a ser de respeto o adaptación al medio. Así, los cimientos de la casa son las rocas del lugar, y algunas de ellas sobrepasan el ancho forjado de la primera planta asomándose junto a la chimenea. Gran parte de la casa está en voladizo, situado encima del arroyo. Los ingenieros de Wright no confiaron en que esa estructura fuese a aguantar y aconsejaron a Wright que rectificara. El orgullo de este arquitecto le permitió ceder poniendo únicamente unas piezas metálicas que sostienen al voladizo, el cual aun sigue en pie después de sufrir los efectos de un tornado. La casa, de dos plantas, se extiende horizontalmente con prominentes voladizos y terrazas, sin embargo hay un núcleo que crece verticalmente, en el que está la chimenea. Tiene unas ventanas que se extienden verticalmente y que pasan de una planta a otra, mostrando así los forjados. Éste núcleo vertical es el “corazón” de la Casa de la Cascada.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">En la cara norte de la casa, la opuesta a la que “vuela” sobre el arroyo, hay una serie de pérgolas a modo de toldo que transcurren desde la pared exterior hasta un talud de piedra que se eleva sobre el camino que conduce a la entrada. A este sitio se le conoce como el “bosque de la casa”. Dos pérgolas describen un arco que esquiva el tronco de dos árboles. Este recurso lo usó Wright para dejar claro el respeto a la naturaleza con el que está diseñada la casa. Las sombras que proyectan las pérgolas se asemejan a las de los troncos, efecto que hace que la sombra de la casa se difumine en las de los árboles. En el suelo de la terraza del despacho del señor Kaufmann se dejó dos huecos para que fuera traspasada por dos árboles. Éstos se murieron durante la construcción de la vivienda y no se llevaron a cabo dichas aberturas.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES">Al parecer E.J. Kaufmann desconfió del cálculo estructural de Wright y secretamente aumentó acero en la estructura, lo que motivó la ira del arquitecto quien le recriminó su falta de confianza. Sin embargo, Wright se equivocó en el cálculo estructural. Gracias a ese acero extra los voladizos no colapsaron, sin embargo ya en los años 90 se observaba una deflexión de hasta 20 cm. Trabajos de postensado en el 2001 lograron estabilizar la estructura, pero costaron 11,5 millones de dólares, unas 100 veces el costo original de la casa.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";color:black; mso-fareast-language:ES"><br />En la segunda planta hay dos dormitorios, dos cuartos de baño y el despacho del señor Kaufmann, así como tres terrazas y las escaleras que conducen al mirador de la tercera planta. Según se accede a esta planta se entra en un pequeño pasillo que distribuye las dependencias. El dormitorio del hijo Kaufmann está sobre el “rincón de la música” de la primera planta, el cual tiene un pequeño cuarto de baño. Al este de este dormitorio está la terraza individual del hijo, en la que hay una escalera exterior que baja a la primera planta. Sobre la zona de sillones de la sala de estar está el dormitorio del matrimonio, el cual cuenta con un pequeño cuarto de baño y una extensa terraza que se extiende en voladizo en dirección sur. En la parte oeste de la segunda planta está el despacho del señor Kaufmann. En esta habitación hay una cama y una escalera que conduce al mirador que hay sobre la segunda planta. La chimenea asoma tanto en el dormitorio del matrimonio como en el despacho. En esta última habitación está la ventana acristalada corrida que se prolonga hasta la cocina. En la pared oeste del estudio hay una puerta que lleva a la terraza del mismo, en la que originariamente había dos árboles que atravesaban el forjado.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-42056755730918530952011-05-20T23:45:00.002+02:002011-05-27T11:28:06.733+02:00Los girasoles, Van gogh<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjela889uzvIebTCBkLmyk7u4VIJdKBuYdJBlj2xVJ2jVvYPQS63HxnyYooGjxAaL-8HvRNIDgFsnC581NjAboCIuHkVPB3alJnH5fim9c3pw_b6jd-z_6SnY75Oqb93enrdlwp2lDqzEk/s1600/100+Los+girasoles.JPG" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="float:left; margin:0 10px 10px 0;cursor:pointer; cursor:hand;width: 244px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjela889uzvIebTCBkLmyk7u4VIJdKBuYdJBlj2xVJ2jVvYPQS63HxnyYooGjxAaL-8HvRNIDgFsnC581NjAboCIuHkVPB3alJnH5fim9c3pw_b6jd-z_6SnY75Oqb93enrdlwp2lDqzEk/s320/100+Los+girasoles.JPG" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5608919139577350514" /></a><br /><p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><i><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Los girasoles</span></i><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">es una serie de cuadros al<span class="apple-converted-space"> </span>óleo<span class="apple-converted-space"> </span>realizados por el pintor<span class="apple-converted-space"> </span>holandés<span class="apple-converted-space"> </span>Vincent van Gogh. De la serie hay tres cuadros similares con quince girasoles en un jarrón, y dos con doce girasoles, también en un jarrón. Van Gogh pintó el primer<span class="apple-converted-space"> </span><i>Jarrón con doce girasoles</i><span class="apple-converted-space"> </span>-que se encuentra actualmente en el Museo<span class="apple-converted-space"> </span>Neue Pinakothek<span class="apple-converted-space"> </span>de<span class="apple-converted-space"> </span>Múnich- y el primer<span class="apple-converted-space"> </span><i>Jarrón con quince girasoles</i><span class="apple-converted-space"> </span>-que se encuentra en laNational Gallery,<span class="apple-converted-space"> </span>Londres-, en agosto de<span class="apple-converted-space"> </span>1888, cuando vivía en<span class="apple-converted-space"> </span>Arlés, en el sur de<span class="apple-converted-space"> </span>Francia. Las siguientes pinturas similares las pintó en enero del año siguiente. Las pinturas están todas pintadas en lienzos de cerca de 93 × 72 cm.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Van Gogh empezó a pintar a finales de verano de 1888 y continuó durante el año siguiente. Su casa en Arles tenía la fachada pintada de amarillo; eso, junto con el ardiente sol mediterráneo del sur de Francia, le inspiraron para elaborar esta serie. Uno de los cuadros fue a decorar la habitación de su amigo<span class="apple-converted-space"> </span>Paul Gauguin. Las pinturas muestran girasoles en todas las etapas de su vida, desde plenamente en flor hasta que se marchitan.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Las pinturas fueron innovadoras en el uso de todo el espectro del color amarillo, que Van Gogh emplea en una gama cromática conjunta con naranjas, ocres, marrones, beiges, etc. El color está aplicado con pinceladas fuertes, agresivas, en pequeños toques salteados, destacando la plasticidad de la pintura, que crea un fino relieve en la tela, para dar volumen a los girasoles. Para resaltar el amarillo y el naranja, emplea verde y azul cielo en los contornos, creando un efecto de suave intensidad lumínica.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">En marzo de<span class="apple-converted-space"> </span>1987<span class="apple-converted-space"> </span>obtuvo resonancia mundial la noticia de la compra de un<span class="apple-converted-space"> </span><i>Jarrón con quince girasoles</i><span class="apple-converted-space"> </span>por el magnate<span class="apple-converted-space"> </span>japonés<span class="apple-converted-space"> </span>Yasuo Goto en una subasta en<span class="apple-converted-space"> </span>Christie's<span class="apple-converted-space"> </span>de Londres, pagando 39.921.750<span class="apple-converted-space"> </span>dólares. La pintura reside en la actualidad en el Seiji Togo Yasuda Memorial Museum of Modern Art de<span class="apple-converted-space"> </span>Tokio. Después de la compra se planteó una controversia sobre si se trataba de una auténtica obra de Van Gogh o una falsificación de Emile Schuffenecker.<o:p></o:p></span></p><p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">La obra pertenece al postimpresionismo movimiento que sigue al iniciado por Monet.</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif; font-size: 13px; line-height: 19px; "> Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.</span></p> <p class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-50300228927186887102011-05-20T23:43:00.001+02:002011-05-27T11:28:06.734+02:00Impression, soleil levant- Monet<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRM1Fh1zX9GXfpFZJBvKk4vTiHCLXXQf_qSaJ_Q67tpF_9a9v-7Y0n6vh-UApfgRi-I3D4OeF1W9xDFtFJvKZohvUxNs22h7CesBLin4QFXMwUedlJdwYEaMENF6-p6HAvy0Qne9Y6mGI/s1600/000+Impression%252C+soleil+levant.JPG" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="float:left; margin:0 10px 10px 0;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 219px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRM1Fh1zX9GXfpFZJBvKk4vTiHCLXXQf_qSaJ_Q67tpF_9a9v-7Y0n6vh-UApfgRi-I3D4OeF1W9xDFtFJvKZohvUxNs22h7CesBLin4QFXMwUedlJdwYEaMENF6-p6HAvy0Qne9Y6mGI/s320/000+Impression%252C+soleil+levant.JPG" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5608917574888558258" /></a><br /><p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">siglo XIX</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">en</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">Europa</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">—principalmente en</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">luz</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">(la «impresión»</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">formas</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">formas</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">crítica</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">como Impresionismo con</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">ironía</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">y</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">escepticismo</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">respecto al cuadro de</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">Monet <i>Impresión: sol naciente</i>. Siendo diametralmente opuesto a la</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">postimpresionismo</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">y las</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">vanguardias.</span></span><b><i><span style="font-size: 10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"><o:p></o:p></span></i></b></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><b><i><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Impresión, sol naciente</span></i></b><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";color:black">(en<span class="apple-converted-space"> </span>francés:<i>Impression, soleil levant</i>) es un cuadro del<span class="apple-converted-space"> </span>pintor<span class="apple-converted-space"> </span>francés<span class="apple-converted-space"> </span>Claude Monet, que dio su nombre al movimiento<span class="apple-converted-space"> </span>impresionista.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Fechado en<span class="apple-converted-space"> </span>1872, aunque pintado más probablemente en<span class="apple-converted-space"> </span>1873, su motivo es el puerto de<span class="apple-converted-space"> </span>Le Havre<span class="apple-converted-space"> </span>en<span class="apple-converted-space"> </span>Francia, usando muy pocos toques de pincel que sugieren en vez de delinear.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">La pintura se exhibió en</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">1874</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">durante la primera</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">exposición independiente de los impresionistas, todavía no conocidos por ese nombre. El crítico</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">Louis Leroy, inspirado por el título del cuadro, tituló su hostil crítica en el periódico</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> </span></span><span class="apple-style-span"><i><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Le Charivari</span></i></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black">, "Exhibición de los impresionistas" , dando nombre inadvertidamente al movimiento.</span><o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">La pintura fue robada del museo Marmottan-Monet en<span class="apple-converted-space"> </span>1985<span class="apple-converted-space"> </span>y recuperada en 1990. Desde 1991 ha estado de nuevo en exhibición.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Monet pintó el sol casi con la misma luminancia del cielo, una condición que sugiere humedad alta y atenuación atmosférica de la luz. Este detalle descansa sobre el uso de colores complementarios y variedad de temperaturas de color, en lugar de cambios de intensidad o valores contrastantes, para diferenciar el sol del cielo circundante. La pintura trata el valor de contraste simultáneo de los colores, situando tonos cálidos sobre otros opuestos que permiten resaltar, en la retina del espectador, unos tonos sobre otros. La vaporización será el elemento fundamental que invade la superficie, destacando esa humedad que invade la obra y que atenúa las tonalidades, es decir, el color se condiciona a esta atmósfera húmeda. El principal objetivo al que intentaba llegar Monet con esta obra es provocar una impresión en el espectador, por lo que nos encontramos con la importancia que se atribuye al espectador en el impresionismo. Las pinceladas son un tanto libres, rápidas y directas, reduciendo los elementos del cuadro a una simplificación aparente, tal y como se contempla en los reflejos del agua.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black"><o:p> </o:p></span></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-32416086402947354912011-05-20T23:42:00.001+02:002011-05-27T11:28:06.736+02:00El beso, Rodin<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5tFDHoLdR3cMq3HBS3XuAnb0xw5C7L_Ke5c_4EzBv8wKgMxuqrVoxs1lbgqfDrEtyhgX-nuOkyQKnrJRC_82PlgWoHWgo2t4vpnbNXWgQ6Xkv2gRLWpTvcFF02fFM7ldW9KenfKn5WKE/s1600/060+El+beso.JPG" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="float:left; margin:0 10px 10px 0;cursor:pointer; cursor:hand;width: 286px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5tFDHoLdR3cMq3HBS3XuAnb0xw5C7L_Ke5c_4EzBv8wKgMxuqrVoxs1lbgqfDrEtyhgX-nuOkyQKnrJRC_82PlgWoHWgo2t4vpnbNXWgQ6Xkv2gRLWpTvcFF02fFM7ldW9KenfKn5WKE/s320/060+El+beso.JPG" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5608917239385385154" /></a><br /><p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">La pareja abrazada de<span class="apple-converted-space"> </span><i>El Beso</i><span class="apple-converted-space"> </span>apareció originalmente entre un grupo de relieves decorando la monumental puerta de<span class="apple-converted-space"> </span>bronce<span class="apple-converted-space"> </span>de la<span class="apple-converted-space"> </span>mansión Cozzi,<span class="apple-converted-space"> </span><i>Las Puertas del Infierno</i>, (o, en<span class="apple-converted-space"> </span>francés,<span class="apple-converted-space"> </span><i>La Porte de l'Enfer</i>) del<span class="apple-converted-space"> </span>escultor<span class="apple-converted-space"> </span>francés<span class="apple-converted-space"> </span>Auguste Rodin, para un nuevo museo de artes decorativas en<span class="apple-converted-space"> </span>París. La pareja fue más tarde separada de las puertas, aunque se reemplazó con una pareja de amantes en la columna inferior derecha. Las numerosas figuras que Rodin creó para el proyecto se convirtieron en un depósito de ideas para algunas de sus esculturas individuales mejor conocidas, incluyendo<span class="apple-converted-space"> </span><i>El Beso</i><span class="apple-converted-space"> </span>y<span class="apple-converted-space"> </span><i>El Pensador</i>.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">El sistema usado por Rodin para hacer sus esculturas de gran tamaño consistía en emplear a escultores que esculpiesen a escala un modelo menor en algún material más fácil de esculpir que el mármol y una vez terminadas, Rodin daba los toques finales él mismo.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Antes de crear la versión en mármol, Rodin produjo varias esculturas menores en<span class="apple-converted-space"> </span>yeso,<span class="apple-converted-space"> </span>terracota<span class="apple-converted-space"> </span>y<span class="apple-converted-space"> </span>bronce. En principio fue llamada<span class="apple-converted-space"> </span><i>Francesca da Rimini</i>, nombre de uno de los personajes del<span class="apple-converted-space"> </span>Infierno<span class="apple-converted-space"> </span>de<span class="apple-converted-space"> </span>Dante, que se enamoró del hermano de su marido, Paolo, a su vez casado. Enamorados mientras leían juntos la historia de<span class="apple-converted-space"> </span>Lanzarote<span class="apple-converted-space"> </span>y<span class="apple-converted-space"> </span>Ginebra, fueron descubiertos y asesinados por el marido de Francesca. En<span class="apple-converted-space"> </span><i>El Beso</i><span class="apple-converted-space"> </span>puede verse el libro en la mano de Paolo. Cuando los críticos de arte vieron la escultura en<span class="apple-converted-space"> </span>1887, sugirieron el título menos específico de<span class="apple-converted-space"> </span><i>El Beso</i><span class="apple-converted-space"> </span>(Le Baiser) en lugar del de<span class="apple-converted-space"> </span><i>Francesca da Rimini</i>.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">En<span class="apple-converted-space"> </span>1888, el gobierno francés encargó a Rodin la primera versión en mármol de<span class="apple-converted-space"> </span><i>El Beso</i><span class="apple-converted-space"> </span>de gran tamaño y apareció por primera vez en el Salón de París en1898. Fue tan popular, que la compañía<span class="apple-converted-space"> </span><i>Barbedienne</i><span class="apple-converted-space"> </span>ofreció a Rodin un contrato para producir un número ilimitado de pequeñas copias en bronce.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">En<span class="apple-converted-space"> </span>1900, Rodin hizo una copia por encargo de<span class="apple-converted-space"> </span>Edward Perry Warren, un excéntrico coleccionista americano que vivía en<span class="apple-converted-space"> </span>Sussex,<span class="apple-converted-space"> </span>Inglaterra, con su amante<span class="apple-converted-space"> </span>John Marshall<span class="apple-converted-space"> </span>y con su colección de antigüedades griegas. Tras ver<span class="apple-converted-space"> </span><i>El Beso</i><span class="apple-converted-space"> </span>en el salón de París, el pintor<span class="apple-converted-space"> </span>William Rothenstein<span class="apple-converted-space"> </span>la recomendó a Warren como una posible compra, pero<span class="apple-converted-space"> </span><i>El Beso</i><span class="apple-converted-space"> </span>había sido encargada por el Estado francés y no estaba disponible. En su lugar, Rodin ofreció hacer una copia y Warren ofreció la mitad del precio por ella (10.000 francos, en lugar de 20.000), pero Rodin no redujo el precio. El contrato para el encargo incluye que "los genitales del hombre deben ser completos". Una carta anterior explicaba que "siendo un pagano y amante de las antigüedades", Warren esperaba que los genitales del hombre fuesen esculpidos distintivamente como en las esculturas de la Grecia clásica, en lugar de modestamente ocultos.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Cuando la escultura llegó a Sussex en<span class="apple-converted-space"> </span>1904, Warren la colocó en los establos donde permaneció durante una década. No se sabe si esta decisión fue tomada por el gran tamaño de la escultura o porque no llegó a cumplir las expectativas de Warren. En<span class="apple-converted-space"> </span>1914, fue prestada al ayuntamiento de Lewes, Sussex, pero el tema erótico de la escultura fue considerado ofensivo y cuando llegaron tropas a alojarse en el ayuntamiento antes de la guerra, se consideró que pudiese afectarles en algún modo, por lo que fue cubierta con una lona alquitranada. Tres años más tarde, en<span class="apple-converted-space"> </span>1917,<span class="apple-converted-space"> </span><i>El Beso</i><span class="apple-converted-space"> </span>regresó a los establos donde había estado y, tras la muerte de Warren en<span class="apple-converted-space"> </span>1928, fue subastada sin alcanzar el precio que se pedía por ella. Finalmente fue ofrecida a cualquier galería que pagara los gastos de transporte y, durante algunos años, permaneció en la galería de arte de<span class="apple-converted-space"> </span>Cheltenham, hasta que en<span class="apple-converted-space"> </span>1953, la galería<span class="apple-converted-space"> </span>Tate<span class="apple-converted-space"> </span>lanzó una campaña pública para la compra de la escultura para la nación inglesa.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">En total, Rodin produjo tres esculturas de mármol de gran tamaño de<span class="apple-converted-space"> </span><i>El Beso</i>. La primera, encargada por el gobierno francés se encuentra ahora en el Museo Rodin<span class="apple-converted-space"> </span>de París. La segunda, encargada por Edward Perry Warren se encuentra en la colección de la galería Tate en<span class="apple-converted-space"> </span>Londres. Una tercera copia fue comisionada por el coleccionista<span class="apple-converted-space"> </span>danés<span class="apple-converted-space"> </span>Carl Jacobsen, y se encuentra en<span class="apple-converted-space"> </span>Ny Carlsberg Glyptotek<span class="apple-converted-space"> </span>de<span class="apple-converted-space"> </span>Copenhague. Una cuarta, menor copia fue realizada tras la muerte de Rodin por el escultor<span class="apple-converted-space"> </span>Henri Greber<span class="apple-converted-space"> </span>para el<span class="apple-converted-space"> </span>Museo Rodin<span class="apple-converted-space"> </span>de<span class="apple-converted-space"> </span>Filadelfia.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Elaborada entre<span class="apple-converted-space"> </span>1886<span class="apple-converted-space"> </span>y<span class="apple-converted-space"> </span>1890, la escultura corresponde al momento en que Rodin trabaja junto con<span class="apple-converted-space"> </span>Camille Claudel.<o:p></o:p></span></p>Unknownnoreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-15857902573303692652011-05-20T23:27:00.004+02:002011-05-27T11:28:06.737+02:00La torre Eiffel<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiyijT3KDe09wpXJsuLzW1A7LiW74qLUPmwjWJfXQSoDI3V6D7yvkKYY1R1rvcTb0-MTTrFg-4bi2pse_A_sJZOSyJXayES4-9aC4Kq3Y1l51U88NQUmM1X5O84kFOGAnaLCcaZ09X3CY/s1600/015+Tour+Eiffel.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="float:left; margin:0 10px 10px 0;cursor:pointer; cursor:hand;width: 183px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiyijT3KDe09wpXJsuLzW1A7LiW74qLUPmwjWJfXQSoDI3V6D7yvkKYY1R1rvcTb0-MTTrFg-4bi2pse_A_sJZOSyJXayES4-9aC4Kq3Y1l51U88NQUmM1X5O84kFOGAnaLCcaZ09X3CY/s320/015+Tour+Eiffel.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5608913320425940434" /></a><p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span class="Apple-style-span"></span></p><p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span class="Apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">La<span class="apple-converted-space"> </span><b>Torre Eiffel</b><span class="apple-converted-space"> </span>(<i>Tour Eiffel</i>, en<span class="apple-converted-space"> </span>francés), inicialmente nombrada<span class="apple-converted-space"> </span><i>torre de 330 metros</i><span class="apple-converted-space"> </span><i>(tour de 330 mètres)</i>, es una estructura de<span class="apple-converted-space"> </span>hierropudelado<span class="apple-converted-space"> </span>diseñada por el<span class="apple-converted-space"> </span>ingeniero<span class="apple-converted-space"> </span>francés Gustave Eiffel<span class="apple-converted-space"> </span>y sus colaboradores para la<span class="apple-converted-space"> </span>Exposición universal de 1889<span class="apple-converted-space"> </span>en<span class="apple-converted-space"> </span>París.<u1:p></u1:p></span><span style="font-family:"Georgia","serif";color:black"><o:p></o:p></span></span></p><span class="Apple-style-span"> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Situada en el extremo del<span class="apple-converted-space"> </span>Campo de Marte<span class="apple-converted-space"> </span>a la orilla del<span class="apple-converted-space"> </span>río Sena, este monumento<span class="apple-converted-space"> </span>parisiense, símbolo de<span class="apple-converted-space"> </span>Francia<span class="apple-converted-space"> </span>y su capital, fue el noveno lugar más visitado del país en<span class="apple-converted-space"> </span>2006 y el monumento más visitado del mundo con 6.893.000 de visitantes en<span class="apple-converted-space"> </span>2007.Con una altura de 300 metros, prolongada más tarde con una antena a 325 metros, la Torre Eiffel fue la<span class="apple-converted-space"> </span>estructura más elevada del mundo durante más de 40 años, hasta que la superó el<span class="apple-converted-space"> </span>edificio Chrysler, de<span class="apple-converted-space"> </span>Nueva York, en 1930.<u1:p></u1:p></span><span style="font-family:"Georgia","serif";color:black"><o:p></o:p></span></p> <p style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt;margin-left: 0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif"; color:black">Fue construida en dos años, dos meses y cinco días en controversia con los<span class="apple-converted-space"> </span>artistas<span class="apple-converted-space"> </span>de la época, que la veían como un monstruo de hierro.<span class="apple-converted-space"> </span>Inicialmente utilizada para pruebas del ejército con antenas de comunicación,<span class="apple-converted-space"><sup> </sup></span>hoy sirve, además de atractivo turístico, como emisora de programas<span class="apple-converted-space"> </span>radiofónicos<span class="apple-converted-space"> </span>y<span class="apple-converted-space"> </span>televisivos<u1:p></u1:p></span><span style="font-family:"Georgia","serif";color:black"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";color:black"><u1:p> </u1:p></span><span style="font-family:"Times New Roman","serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-bidi-theme-font:minor-bidi;color:black"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";color:black">Inicialmente tema de controversia de algunos, la Torre Eiffel sirvió como presentación a la<span class="apple-converted-space"> </span>Exposición Universal de París de 1889,<span class="apple-converted-space"> </span>la cual acogió a más de 236 millones de visitantes desde su inauguración. Su tamaño excepcional y su silueta inmediatamente reconocible hicieron de la torre un emblema de París.<u1:p></u1:p></span><span style="color:black"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";color:black">Concebida en la imaginación de<span class="apple-converted-space"> </span>Maurice Koechlin<span class="apple-converted-space"> </span>y Émile Nouguier,<span class="apple-converted-space"> </span>jefe de la oficina de estudios y jefe de la oficina de métodos, respectivamente, de la compañía <i>"Eiffel & CO"</i>, fue pensada para ser el «<i>clavo (centro de atención) de la exposición de 1889 que se celebraría en París</i>», que además celebraría el centenario de la Revolución francesa. El primer plano de la torre fue realizado en </span><span style="color:black"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Junio" title="Junio"><span style="font-size: 10.0pt;font-family:"Arial","sans-serif";color:black;text-decoration:none; text-underline:none">junio</span></a></span><span style="font-size:10.0pt; font-family:"Arial","sans-serif";color:black"> de 1884 y mejorado por Stephen Sauvestre, el arquitecto principal de los proyectos de la empresa, quien le aportó más estética.</span><span style="color:black"><u1:p></u1:p><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";color:black">El 1 de mayo de 1886, el Ministro de Comercio e Industria, Édouard Lockroy,<span class="apple-converted-space"> </span>entusiasta partidario del proyecto, firmó un decreto que declaraba abierto «<i>un apoyo para la Exposición Universal de 1889</i>». Gustave Eiffel ganó este apoyo económico y un convenio el 8 de enero de 1887 que fijo las modalidades de construcción del edificio.<u1:p></u1:p></span><span style="color:black"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="mso-margin-top-alt:auto;line-height:16.8pt; background:#F9F9F9;background-image:initial;background-attachment:initial; background-origin: initial;background-clip: initial;background-position:initial initial; background-repeat:initial initial"><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";color:black">Construida en dos años, dos meses y cinco días (de 1887 a 1889) por 250 obreros, se inaugura oficialmente el 31 de marzo de 1889. Sufriendo una corrosión muy frecuente, la Torre Eiffel no conocerá verdaderamente un éxito masivo y constante hasta los años sesenta, con el desarrollo del turismo internacional. Ahora acoge a más de seis millones de visitantes cada año.</span><span style="color:black"><u1:p></u1:p><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:4.8pt;margin-right:0cm;margin-bottom:6.0pt; margin-left:0cm;line-height:18.0pt"><span style="font-size:10.0pt;font-family: "Arial","sans-serif";color:black">Sus 300 metros de altura le permitieron llevar el título de «<i>la estructura más alta del mundo</i>» hasta la construcción en 1930 del Edificio Chrysler, en Nueva York. Construida sobre el Campo de Marte cerca del río Sena, en el 7º distrito de París, actualmente es administrada por la<span class="apple-converted-space"> </span>"Sociedad para la administración de la torre Eiffel" (<i>Société d'exploitation de la tour Eiffel</i>, SETE). El lugar, que emplea a 500 personas (250 empleados directos del SETE y 250 de los distintos concesionarios instalados sobre el monumento), está abierto todos los días del año.</span><span style="color:black"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p></span><p></p> <p class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5620523661951180608.post-22470592057618078902011-05-20T23:22:00.000+02:002011-05-27T11:27:02.197+02:00La maja desnuda, Goya<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmN7IxgropZ-SwElHVIespnsK3EBIHJosWx6HrcSGJTXYON6SCxbIboeZ4yCONDdkXuKvbt-B3EEP9qoRQTkN1omfysIQKd0Vg_FZROdYeBS4GtB61kZNwFHoyHuppvRdQo0hbjuoFgEw/s1600/230+Maja+desnuda.JPG" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="float:left; margin:0 10px 10px 0;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 164px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmN7IxgropZ-SwElHVIespnsK3EBIHJosWx6HrcSGJTXYON6SCxbIboeZ4yCONDdkXuKvbt-B3EEP9qoRQTkN1omfysIQKd0Vg_FZROdYeBS4GtB61kZNwFHoyHuppvRdQo0hbjuoFgEw/s320/230+Maja+desnuda.JPG" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5608912424739866802" /></a><p class="MsoNormal"><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt; line-height:115%;font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor: text1">La Maja desnuda es la primera figura femenina de la historia de la pintura que muestra el vello púbico, poniendo de manifiesto su originalidad. Además, no es ninguna imagen mitológica sino una mujer de carne y hueso, una imagen moderna como más tarde haría</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1">Manet</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1">en su Olimpia. Por eso, la Maja desnuda tiene tanto éxito entre los numerosos visitantes del</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family:"Verdana","sans-serif"; color:black;mso-themecolor:text1"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1">Museo del Prado, junto a su compañera, la</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family:"Verdana","sans-serif"; color:black;mso-themecolor:text1"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1">Maja Vestida. Sobre ella se ha escrito una ingente cantidad de líneas que no han hecho sino aumentar la incógnita de su realización. En 1800 aparece citada en el gabinete de Godoy, por lo que sería anterior a esa fecha. Los tonos verdosos y blancos empleados por Goya corresponden a los utilizados en las obras de los últimos años del siglo XVIII, como los retratos de</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1">Jovellanos</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1">o de</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1">Josefa Bayeu. Algunos especialistas adelantan su ejecución hasta la época de los</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1">Duques de Osuna y sus hijos. Pero ahí no quedan las incógnitas, ya que también desconocemos quién las encargó. Todo hace apuntar a que ambas Majas fueron encargadas por Godoy para decorar su despacho junto a la Venus del espejo de</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1">Velázquez</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1">y otra Venus de la</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family:"Verdana","sans-serif"; color:black;mso-themecolor:text1"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1">Escuela veneciana</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%;font-family:"Verdana","sans-serif"; color:black;mso-themecolor:text1"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size:10.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-themecolor:text1">del siglo XVI, manifestando el gusto del valido de Carlos IV por las pinturas de desnudos femeninos, así como su poder, debido a la persecución que conllevaban estas obras, pero Godoy no tenía nada que temer; era el hombre más poderoso del país. También se apunta la posibilidad legendaria de que la Maja sea la Duquesa de Alba, Doña María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, a quien Goya estaba estrechamente unido desde que enviudó ésta y se trasladaron juntos a Sanlúcar de Barrameda. Bien es cierto que su rostro no corresponde al de las Majas, pero es evidente que los rostros son estereotipados, como ya hacía en los cartones para tapiz, precisamente para que no fuera reconocida. Incluso se ha llegado a decir que es el rostro de la Duquesa visto desde abajo. El Duque de Alba exhumó los restos de su antepasada en 1945 para intentar restar veracidad a esta leyenda porque el cuerpo de la Maja sí corresponde con el de Doña Cayetana, con sus huesos pequeños, su cintura de avispa y sus grandes y separados senos. La postura provocativa de la Maja podría incluso sugerir que se trata de una prostituta de alto postín, que se ofrece al mejor postor. La mirada pícara y atrayente puede reforzar esta idea. La Inquisición mandó comparecer a Goya ante sus tribunales por haber pintado las Majas y los Caprichos, pero curiosamente el asunto fue sobreseído gracias a la intervención de un personaje poderoso, quizá el Cardenal don Luis de Borbón o, en último término, el propio Fernando VII, con quien el pintor no mantenía muy buenas relaciones, todo sea dicho. Pictóricamente, es una obra en la que destacan los tonos verdes, en contraste con los blancos y los rosas. La pincelada no es tan larga como acostumbra el artista, a excepción de los volantes de los almohadones, mientras que la figura, situada en primer plano, estaría realizada con mayor minuciosidad, en un enorme deseo de satisfacer al enigmático cliente que encargó las obras</span></span><span style="color:black;mso-themecolor: text1"><o:p></o:p></span></p>Unknownnoreply@blogger.com0